CINE OLYMPIA APRESENTA O FESTIVAL "CENTENÁRIO”

 No período de 03 á 15/04, dentro das comemorações dos 100 anos do cinema Olympia, serão exibidos filmes que fizeram sucesso neste cinema e que marcaram toda uma geração de espectadores. A intenção Da programação é resgatar a memória e a emoção destes clássicos do cinema para todas as gerações, mostrando a importância do cine Olympia dentro do circuito exibidor local em todas as décadas deste centenário. Do primeiro filme falado exibido no Olympia como “Alvorada do Amor” ao enorme sucesso do clássico “...E O Vento Levou”, o festival terá filmes exibidos com entrada franca e sessão às 18:30h (com exceção de “..E O Vento Levou” que terá sessão iniciada às 16h devido a longa duração do filme).

Confira a relação completa da programação com textos escritos pelo crítico Pedro Veriano e que tem o apoio da ACCPA (Associação dos Críticos de Cinema do Pará):

Dia 03/04 – “ALVORADA DO AMOR” (The Love Parade) – Foi o primeiro filme falado a ser exibido em Belém, precisamente no dia 30 de novembro de 1930 no Olympia. Direção de Ernst Lubitsch. Com Maurice Chevalier e Jeanette MacDonald. Depois dele o gênero“opereta” chamou muitos espectadores. O som, em si, era uma novidade fascinante.

Dia 04/04 – “KING KONG” de Ernst B.Schoedsack e Merian C.Cooper - Produzido em 1933, foi a maior bilheteria do Olympia no inicio da fase sonora. O filme foi relançado por mais duas vezes nos cinemas concorrentes (Moderno e Independência).

Dia 07/04 – “A VOLTA AO MUNDO EM 80 DIAS” (Around the World in 80 Days). Este filme marcou a chegada do ar condicionado e poltronas estofadas na tradicional sala. Direção de Michael Anderson, com David Niven e Catinflas. “Oscar” de 1956.

Dia 08/04 – “SINFONIA DE PARIS” (An American in Paris) - Os musicais da Metro faziam mais sucesso no sul do que em Belém, mas este ganhador do “Oscar” de 1951 chamou a atenção. É o exemplo feliz do sucesso das vesperais de domingo as sessões preferidas dos estudantes. Direção de Vincente Minnelli.

Dia 10/04 – “NESTE MUNDO E NO OUTRO” - Sucesso do final dos anos 40 ganhou até música brasileira. Dirigido pelos ingleses Michael Powell e Emeric Pressburger, o filme seduziu a platéia local com a sua trama fantástica e irônica.

Dia 11/04 – “VIRIDIANA”- Foi o filme que iniciou a série de sessões chamadas “Cinema de Arte” efetuadas aos sábados pela manhã no Olympia. Direção de Luis Buñuel.

Dia 12/04 – “O IMPÉRIO DOS SENTIDOS” - Marco do fim da censura nos cinemas brasileiros, o filme de Nagisa Oshima bateu o recorde de permanência em cartaz no Olympia (9 semanas). Também foi considerado o melhor do ano pelos críticos locais (APCC).

Dia 13/04 – “O FIM DO MUNDO” - Ficção cientifica produzida por George Pal e dirigida por Rudolph Maté (o fotógrafo de “A Paixão de Joana D’Arc”, clássico de T. Dreyer). O filme marcou a época dos protestos estudantis pela reforma do cinema em 1953. Deu margem a que o proprietário comprasse um terreno e anunciasse um outro cinema que dizia ser “o melhor do país”. Para muitos “o fim do mundo” foi o fim de um Olímpia bastante deteriorado.

Dia 14/04 – “SYRIANA”. Protagonizado pelo ator George Clooney, poderia ter sido o último filme a ser exibido no cine Olympia, caso a prefeitura de Belém não tivesse feito um contrato de administração do espaço em 2006.

Dia 15/04 – “...E O VENTO LEVOU” - Repetiu em Belém o sucesso mundial. Ganhou sessão especial para a imprensa, mais tempo em cartaz do que o comum, venda de ingresso em outros locais. E a metragem superou de longe a média dos filmes da época.

FESTIVAL CENTENÁRIO CINE OLYMPIA

DE 03 À 15/04/12

HORÁRIO : 18:30H (COM EXCEÇÃO DE “..E O VENTO LEVOU” - SESSÃO ÀS 16:00h)

FILMES INDEQUADOS PARA MENORES DE 12 ANOS

FILME“O IMPÉRIO DOS SENTIDOS” INADEQUADO PARA MENORES DE 18 ANOS

APOIO : ACCPA

A DIMENSÃO DAS TELAS

Uma das cenas mais emblemáticas de"Divórcio à Italiana", de Pietro Germi

Diminui cada vez mais a janela das exibições dos filmes em cinema para o DVD. Já se encontram nas locadoras: “O Preço do Amanhã”, ”O Palhaço”, ”A Pele que Habito”, “Contágio”e “O Retorno de John English”.

“A Pele que Habito” (La Piel que Habito/Espanha, 2011) foi um dos meus melhores filmes do ano passado. Escrito e dirigido por Pedro Almodóvar. Antonio Banderas, que volta a filmar com o cineasta que o descobriu, protagoniza um cirurgião plástico marcado pela tragédia quando sua esposa sofre um acidente de carro e fica bastante queimada. Em busca da pele ideal para transplante ele usa cobaias humanas. A saga de Frankenstein é lembrada e as imagens extrapolam os esquemas conhecidos de filmes de terror. Pedro Almodóvar aborda a dimensão da sexualidade e a identidade criada a partir de mudanças físicas, apontando o outro lado da questão. A potencialização de formas de poder para “modelar” pessoas, revelada no filme, entra nas discussões atuais que aderem à perspectiva dos estudos de gênero apontando para, inicialmente, as definições culturais do “ser homem” e do “ser mulher” a partir da socialização do ser humano pelo único entendimento que teria a ciência e a cultura – a biologia - e trata das discussões sobre o corpo sexuado, da diferença entre os sexos, mostrando que o ser homem e o ser mulher são relações culturalmente construídas. Recentemente o filme ganhou os prêmios Bafta (Inglaterra), Gota(Espanha) e de Washington(EUA).

“O Preço do Amanhã”(In Time/EUA, 2011) é mais uma história criativa de Andrew Niccol autor de “O Show de Truman”, “Gattaca” e “Simone”. Aqui ele imagina um mundo em que a vida passa a custar dinheiro literalmente. Compram-se anos de vida e, nesse meio, os milionários estão destinados a viver séculos. A situação leva a um romance entre um jovem que recebe uma quantia/anos de um suicida, e uma garota filha de um homem rico e, naturalmente, longevo. A ideia podia gerar mais, caminhando para um suspense de filme de aventura comum, mas não deixa de interessar e tem bons momentos como o momento em que o protagonista tenta dar mais tempo para a sua mãe e ela morre em seus braços.

“O Palhaço”(Brasil/2011) é o segundo filme dirigido por Selton Mello. Ele protagoniza o palhaço Benjamin, atuante num modesto circo com seu pai, Valdemar (Paulo José). Quando resolve reconstruir sua vida e deixa o circo, defronta-se com um mundo injusto que desconhecia. O filme é muito criativo, com um bom argumento, e os dois atores principais Sellton Mello com Paulo José estão excelentes. Vale a pena ver ou rever.

“Contágio” (Contage/EUA 2011) trata de uma epidemia produzida por um vírus desconhecido e que se mostra resistente a todos os medicamentos ao alcance. Com direção de Steven Soderbergh e um elenco all-star (Gwynett Paltrow, Matt Damon, Jude Law, Marion Cottilard (a Edith Piaf do filme “Piaf”), Kate Winslet, Laurence Fishburme e Brayn Cranston, o roteiro critica a indústria farmacêutica mostrando como ela chega a vender placebo como viável para a cura da nova doença.

“Os Muppets”(The Muppets/EUA,2011) ganhou o Oscar de canção (Man or Muppet). Dirigido por James Bodin trata da odisseia de Walter, o maior fã dos Muppets, que viaja a Los Angeles, ao lado dos amigos Gary e Mary, e descobre que Tex Richman quer destruir o Muppet Theatre para explorar petróleo no local. Surge um mutirão de ajuda a Caco para obter, através de programa de TV, US$10 milhões que salvará o espaço dos bonecos. Mais uma animação na técnica stop-motion creditada na popularidade que os heróis da televisão nos anos 60/70 ainda possuem.

O excelente “Divorcio à Italiana”(Divorzio Allá Italiana/Itália 1961) mostra Marcello Mastroianni tentando assassinar a esposa que ele preprarou para ser infiel e, com isso, dar-lhe campo para namorar a prima (Stefania Sandrelli). O tipo vivido por Daniella Rocca é hilariante. O filme fez tanto sucesso que mereceu uma sequencia: “Seduzida e Abandonada”(Sedotta i abbandonata/1964). Direção de Pietro Germi.

JOHN CARTER : ENTRE DOIS MUNDOS

Uma das cenas liberadas pela Disney, do filme John Carter

O norte-americano Edgar Rice Burroughs (1875-1950), mais conhecido como o autor de Tarzan escreveu as primeiras historias em que se baseou o filme “John Carter Entre Dois Mundos”(John Carter/EUA, 2012. Sua carreira de escritor iniciou-se em 1912 imaginando ficção cientifica, no caso, uma série intitulada “A Princesa de Marte”, cujo texto, foi inicialmente elaborado em forma de conto e, depois, condensado em 11 livros. Só depois de ter imaginado e escrito essa aventura do confederado John Carter é que ele criou Tarzan “o rei das selvas”, afinal o seu maior sucesso a ponto de dar o nome ao lugar onde passou seus últimos dias.

No roteiro do filme atual, dirigido por Andrew Stanton (também autor dos excelentes desenhos ”Procurando Nemo” e “Wall E”),o personagem John Carter(Taylor Kitsch) teria morrido no planeta Terra, mas, na verdade, ressucitou por um passe de mágica, ou o toque de um cristal encontrado numa caverna, para o planeta Marte, um mundo diferente do que diziam as pesquisas astronômicas. Esse planeta era habitado por seres de cor verde, de criaturas gigantescas, mas capaz de abrigar a vida da Terra, diferindo, apenas, da gravidade mais baixa, o que levava um ser terrestre a dar saltos imensos. Em Marte, Carter toma conhecimento de uma disputa acirrada entre dois reinos. No reino Helium, a princesa Deja Thoris (Lynn Collins)está prometida para casar com o príncipe adversário como forma de levar a paz ao planeta. Mas a jovem prefere fugir de casa e encontra o terrestre que a ampara e combate o exército do noivo vilão.

Não conheço o original literário, mas é de supor que este foi adaptado ao que na época escrevia Jules Verne. E apresentava um toque de conto de fadas. Afinal, trata de princesa que busca o seu príncipe encantado e ele surge na pele de um plebeu. No final, eles se unem e “serão felizes para sempre”. O “sempre”, no roteiro do próprio diretor, é reticente para dar margem a outro(s) filme(s). Uma perspectiva que me parece inviável agora posto que a Disney já conscientizou que não vai recuperar o custo do projeto (250 milhões de dólares). Nem adaptando o filme depois de realizado para ser visto em 3D e nem com os efeitos especiais de última geração, perfazendo monstros como o cachorro gigante que se afeiçoa ao protagonista ou os marcianos esguios à semelhança do que Steven Spielberg explorou no seu “Contatos Imediatos do Terceiro Grau”(1977).

Pelo visto das imagens “John Carter” só deve agradar aos meninos com menos de 12 anos. É suficientemente ingênuo para isso. Os maiores, acostumados no videogame e séries de TV, talvez não suportem a trama extremamente boba. E se esses infantes não suportam uma trama tão futil, avaliem os cinéfilos. Não por pedantismo, mas pela fragilidade de tudo o que possa ser extraído como tema e técnica (já gasta). É duro suportar mais de duas horas assistindo a cenas de ação sem nexo e tentando acompanhar uma história que se torna conhecida de principio ao fim.

Como esta coluna referiu na sexta feira, as estréias da semana foram sofríveis. Afora esta superprodução que pode enganar quem conhece o talento do cineasta Andrew Stanton, os demais lançamentos são, coincidentemente (ou não ?) peripécias de agentes da CIA, ou um brigando com oo outro por causa de uma garota (“Guerra é Guerra”) ou um renegado tentando se redimir ao lado de um colega (“Protegendo o Inimigo”) ou a volta dos “pequenos espiões” do diretor Roberto Rodriguez. Salvou-se Madonna com o seu “W.E.” E não creio que demore em cartaz.

REGISTRO

Agradeço ao cineasta Luiz Arnaldo Campos uma cópia do seu filme “Pássaros Andarilhos, Bois Voadores”(2011) doada a esta colunista. A trama explora cordões de pássaros de Belém “em tempos imemoriais”. A direção de arte é da amiga Célia Maracajá e os demais membros da equipe são artistas dos melhores de nossa cidade. Entre os atores: Juliana Silva, Aninha Moraes, Rubens Santa Brígida e Jamil Rebelo. Há participação especial de Mestre Alarino, Mestre Pantoja, Iracema de Oliveira e Bernadete de Lourdes. Vou ver o filme.

“PINA”, DE WENDERS

         Imagens de "Pina", de Win Wenders, em exibição no Moviecon. Belisssimo filme.

Quinta feira última, numa das salas do complexo Moviecom, foi exibido para os membros da critica de cinema e jornalistas, o documentário “Pina” (Alemanha, 2011), de Win Wenders. O filme foi candidato ao Oscar da categoria este ano sendo detentor de 2 prêmios e mais 6 candidaturas.

Sem criar o clima de uma exposição biográfica de Pina Baush - bailarina que marcou a história da dança moderna na Alemanha – Wenders definiu o seu trabalho pelo significado de suas próprias palavras, proferidas na entrevista coletiva que deu durante o Festival de Berlim do ano passado: “Pina e eu tínhamos esta vontade há mais de 20 anos. Em meados dos anos 80, sugeri a ela que fizéssemos algo juntos e isso nos uniu desde então. Mas o balé de Pina tinha toda esta alegria e liberdade, era tudo tão vivo, que eu não sabia como transportar isso adequadamente para o cinema. Foi quando eu assisti pela primeira vez um filme em 3D. Ainda de dentro do cinema, liguei para ela e disse: 'Agora eu sei, Pina, como isso será!”

Evidenciando como criaria seu filme na parceria entre a arte do cinema e a forma imagética de ver o mundo da dança de Pina, diz, ainda, Wenders: “Ela seria o centro do filme. Estaria perto de mim em todos os momentos. Seria um road movie, nós iríamos percorrer a Ásia e a América do Sul. Seria um filme completamente diferente”. E acrescenta: “Pina era mais que o personagem principal. Ela era a própria razão para se fazer este filme. Nós estávamos nas preparações para as filmagens quando, imediatamente antes do primeiro teste em 3D ser feito, recebemos a notícia da morte repentina de Pina. Naturalmente, tudo parou. Parecia sem sentido querer fazer o filme”.

A primeira impressão que tive do filme está ligada à técnica de edição inventada pela expressão criativa de Wenders. O processo evoca a profundidade de campo com uma qualidade impossível de achar na edição 2D. A tela pode parecer um grande palco, e o filme abre, justamente, focalizando um palco. Abre-se o pano, os bailarinos surgem, uns mais perto da câmera, outros mais longe, e passam a interagir por sobre imagens que podem ser cenários teatrais como “vistas” de diversas cidades ou campo ou praias. Esta abrangência é que pode dimensionar a arte da bailarina que em verdade pouco se vê com destaque na tela. O que importava para ela e o que Wenders achou de bem mostrar, foi o trabalho do conjunto. Pina adorava a sua equipe internacional. Os bailarinos fazem o máximo que lhes exige expressão corporal. Em pequenos intervalos um e outro se dirigem para a câmera e falam de seu trabalho e de sua coreografa. Expressam-se em diversos idiomas, inclusive, o português (há duas brasileiras na equipe). São elogios que tecem a figura da diretora de cena, o que ela exige, o que ela pensa, o que faz para ajudar quem muitas vezes sentia receio de falhar na sua arte.

O filme não esconde a sua articulação de teatro filmado. Há silhuetas de espectadores no rodapé do quadro e a 3D dá-lhe a impressão de que fazem parte da plateia do próprio cinema. Eles (e quem está assistindo ao filme) são convidados a ingressar no mundo da dança com a noção de relevo dos dançarinos. Há números que consagraram o talento de Pina como o “Rito da Primavera” e o “Café Muller”. Usando o palco da Opera de Wuppertal, Wenders consegue, com o relevo das imagens, uma ilusão de que se está (quem vê o filme) num palco e este palco se metamorfoseia, ganhando contornos de paisagens diversas. Fiquei imaginando como o filme-musical renderia nessa técnica. Gene Kelly criaria novos números cantando na chuva, dançando nas ruas ou pulando muros altos. Enfim, é o começo. “Pina” marca a história de um gênero cinematográfico.

Bem a propósito: vê-se que agora os cineastas-autores estão descobrindo a 3D. Houve o excelente “A Invenção de Hugo Cabret”(Hugo/EUA,2011), de Martin Scorsese, e agora este trabalho excelente do diretor de “Asas do Desejo” (Der Himmel über Berlin/Alemanha, 1987). Almejo que essa dimensão criativa dada por esses dois diretores resvale para o mundo do espetáculo cinematográfico que só usa o 3D como garantia de diversão comercial.

TEMAS DE GUERRA

 Alberto Sordi em "Una Vita Difficile", de Dino Risi

A Segunda Guerra Mundial é focalizada como matéria prima de dois títulos que chegam agora em DVD, no mercado brasileiro: “Uma Vida Difícil”, de Dino Risi, e “Amarga Sinfonia de Auschwitz”, de Daniel Mann.

“Una Vita Difficile” é de 1961 e traz Alberto Sordi como Silvio Magnozzi, um ex-resistente italiano ao domínio nazifascista. Ao fugir dos soldados alemães, encontra uma camponesa, Elena(Lea Massari) que o salva do fuzilamento, abrigando-o numa casa rústica por certo tempo. Ao término da guerra, ele reassume a função anterior como jornalista da imprensa de oposição, em Roma, e reencontra Elena que resiste aos arroubos do velho amor, por sentir-se abandonada. Mas a tensão não dura muito e os dois se casam. O problema é que Silvio é um rebelde socialista e recusa propina de gente que enriqueceu ilicitamente no após-guerra. Vivendo sempre com dificuldades vai recebendo criticas em casa especialmente da sogra. Quando Elena resolve se separar eles já tem um filho e ele perde o emprego no jornal. Resolve, então, bajular um milionário. Elena volta para casa, mas recusa um marido diferente do batalhador de outros tempos. É preciso que ele reassuma a sua antiga postura ideológica.

Dino Risi sempre foi um diretor italiano bastante respeitado pelos filmes de crítica no estilo comédia, como: “Aquele que Sabe Viver”(1962), “Os Monstros”(1963), “Férias à Italiana”(1966), “Perfume de Mulher”(1974) entre outros. Nesse tom da sátira, em meio às situações hilárias, com desempenho de atores como Alberto Sordi, há sempre um vínculo de critica social. E neste “Uma Vida Difícil”, o tema é ampliado num painel da história italiana contemporânea. Funciona muito bem. O roteiro é de Rodolfo Sonego, autor de mais de 80 roteiros do gênero. Como Risi disse em “Esse Crime Chamado Justiça (1971): “rindo castiga-se mais”. É o caso, neste trabalho muito bom e pouco visto entre os cinéfilos paraenses  e que precisa ser lançado numa das sessões extra para dar a conhecer à nova geração os filmes de um período hoje pouco visto.

“Amarga Sinfonia de Aushwitz”(Playing for Time/EUA 1980) foi realizado para a televisão e ganhou 4 Emmy (o Oscar da TV). Vanessa Redgrave protagoniza Fania Fenelon, uma pianista judia deportada para o campo de Aushwitz e só escapando da câmara de gás por ser expert em música. Formando um conjunto entre as colegas de cela vê seus dias seguirem em frente com o aplauso dos nazistas. Mas até aí presencia torturas e encaminhamentos para os módulos onde as pessoas morrem intoxicadas. O filme dirigido pelo veterano Daniel Mann (“Disque Buterfield 8”) tem roteiro de Arthur Miller e se baseia no livro da própria Fania. É um dos melhores relatos sobre o tema e não assisti em TV brasileira nem me lembro de ter chegado em VHS ou DVD anteriormente.

“Sempre Bela” (Belle Toujour/França 2010) é uma homenagem do veteraníssimo Manoel de Oliveira (102 anos) ao clássico “Belle de Jour”(Bela da Tarde) de Luís Buñuel. Aqui o personagem que naquele filme já era interpretado por Michel Piccoli reencontra Severine, que antes fora vivida por Catherine Deneuve, hoje uma viúva de passagem por Paris. Ele força um encontro pensando em um romance. Mas ela rejeita. O tema é tratado de forma quase alegórica, com diálogos declamados e montagem tímida. É um programa curto, mas que se dimensiona pelo modo como é apresentado. O tom atual revela-se distanciado não deixando a impressão de pessoas solitárias em busca do passado. Inédito nos nossos cinemas. É filme de Manoel de Oliveira, portanto, uma perspectivaa nova para recorrer ao modo de este cineasta avaliar as ocorrências. Dessa forma, causa impacto em quem espera uma “continuação” buñueliana de um enredo, mesmo naquele momento, tão incisivo na alegoria da “Belle de Jour”.

RESCALDO DO OSCAR

 Demián Bichir em "A Better Life". Ele concorreu ao Oscar, mas não levou.

Um leitor deste espaço pergunta se os filmes que foram candidatos ao Oscar e não chegaram a estrear por aqui ainda vão ser exibidos. Ele cita traillers em cartaz. Infelizmente declino de responder afirmativamente, mas é de supor que muitos títulos só alcançarão nossos espectadores no formado DVD. Simplesmente porque não trazem a aproximação comercial que nas nossas salas representa a fórmula indispensável ao processo de circulação de mercadoria onde há a cobertura de custos com margem de lucro.

Hoje procuro registrar os títulos de filmes que estiveram à disposição dos associados da Academia de Artes e Ciências de Hollywood e que estão faltando exibir ou ainda vão chegar às nossas salas belenenses.

“Histórias Cruzadas”(The Help) foi candidato a melhor filme e ganhou na categoria de atriz coadjuvante (Octavia Spencer) onde também concorria. Esteve nos cinemas do sudeste. Trata-se de um drama apoiado na temática do preconceito racial evidente no sul dos EUA por volta dos anos 60. No enredo, duas empregadas domesticas são focalizadas e o relacionamento com os patrões nem sempre é pacifico. Há vários tipos de brancos também focados. Poucos estimam os negros. O tema já esteve em muitos filmes e alguns da época da ação com menos ou mais violência em cena. Este exemplar dirigido por Tate Taylor com base no livro de Kathryn Stockett podia abordar o tema de outro ângulo ou esmerar-se na linguagem. Mas não há esforço para isso. A narrativa é acadêmica e o apoio maior investe nos atores.

“O Homem que Virou o Jogo”(Moneyball) candidatou Brad Pitt como melhor ator, além de concorrer na categoria de melhor filme. Pitt protagoniza um treinador de baseball que briga pelo seu time em fase de rebaixamento. Ele usa uma tecnologia matemática para indicar os jogadores mais promissores, mas esse cálculo não dá certo, embora ele insista na sua interpretaçao racional. A trama, envolve também a “cartolagem” do esporte favorito dos norte-americanos e não chega a ser enigmática para os brasileiros porque a métrica dos negócios por trás do campo é semelhante a que se vê no futebol. Considerei o filme muito especifico no seu assunto. Pitt está bem embora esteja muito melhor em “Além da Vida”(mas neste não foi indicado candidato). Não creio que o filme, dirigido por Bennet Miller, chegue por aqui.

Michelle Williams foi candidata ao prêmio de melhor atriz por seu desempenho em “Sete Dias com Marilyn”(My Week with Marilyn), de Simon Curtis. Ela protagoniza a famosa estrela de Hollywood na época em que viajou para Londres convidada a filmar “O Príncipe Encantado”, com Laurence Olivier (o grande ator também dirigindo). A história real foi escrita pelo jovem ajudante do estúdio britânico, Colin Clark (no filme interpretado por Eddie Redmayne). O melhor do conjunto é Kenneth Branagh investido de Olivier. Mas o roteiro é esquemático, a direção capenga e o resultado parece uma daquelas matérias para fãs que antigas revistas, como Cinelandia, publicavam. Penso quer o maior fã de Marilyn, o saudoso amigo Edwaldo Martins (ele a chamava de “Mariazinha”) não ia gostar.

Melhor seria se chegasse “A Better Life”(não tem nem titulo em português), de Chris Weitz. Trata de um drama que mexe com duas políticas desse país: a imigração e a falta de emprego. Enfoca um jardineiro que perde seu instrumento de trabalho na mesma medida do que já foi visto em “ladrão de bicicletas”(Vitorio De Sica), nos EUA de hoje quando um mexicano de permanência ilegal no país compra uma caminhonete com dinheiro da irmã, roubam-lhe o carro e quando recupera é preso por dirigir sem habilitação sendo também deportado para seu país de origem. Excelente desempenho de Demián Bichir. Pessoalmente, considerei sua atuação muito melhor do que do francês de “O Artista” e, sem dúvida, Bichir merecia o Oscar.

 REGISTRO

A Imovision fez uma sessão cabine do filme “Pina”, de Win Wenders , nesta quinta-feira, 15, às 10h, no Moviecon (Pátio Belém), sendo a última cabine realizada no país antes da pré-estréia do filme. É o primeiro filme de arte em 3D do cinema. Recebi convite especial de Jair Jr., da IMOVISION.

FANTASIA & TERROR

John Carter-Entre 2 Mundos

A empresa Disney amarga o prejuízo da produção de “John Carter” seu filme mais caro (US$250 milhões) que só ganhou a pole-position do box office semana passada (a sua 2ª em cartaz), mesmo assim com apenas US$ 123.35 de soma. Isto sem contar a publicidade milionária que o filme recebeu.

“John Carter-Entre 2 Mundos” é dirigido por Andrew Stanton (48) diretor vindo da animação (trabalha na PIXAR), responsável por sucessos na área como “Procurando Nemo” e “Wall E” (ganhadores do Oscar). O roteiro, do próprio diretor associado a Mark Andrews, vem de uma historia de Edgar Rice Burroughs, o criador de Tarzan. Antes de esse autor criar “o rei das selvas” escreveu algumas novelas de ficção e esta viagem de um combatente da guerra civil norte-americana em mundos distantes (inclusive Marte) ganhou guarida em jornais do inicio do século passado em estilo folhetim. Certamente Andrew Stanton achou que a tecnologia atual, inclusive o uso de 3D, seria o meio para se mostrar numa tela o que a imaginação doe escritor produziu quando nem televisão existia. Ainda não vi o filme, mas certamente vou assistir e comentar neste espaço. Hoje me detenho nessa questão de sucesso popular. Por aqui, “Motoqueiro Fantasma 2” (Ghost Rider: Spirit of Vengeance) faz sucesso. Estreou em seu país de origem dando lucro de U$ 22 milhões quando seus custos alcançaram U$ 75 milhões. Está se pagando, portanto. E teve continuação devido o primeiro filme do personagem, realizado há 4 anos, ter tido sucesso financeiro. O autor da idéia é David S. Goyer e o tipo assemelha-se ao Tocha Humana, personagem dos quadrinhos. Esse tipo deu sua alma em troca de um poder que o faz um guerreiro atuante em sua motocicleta. Um guerreiro em chamas, sem que o fogo lhe macule o corpo. Agora, ele está no leste europeu (antes morava nos EUA) gozando de uma espécie de aposentadoria. Mas recebe um pedido de atuar contra forças demoníacas influentes sobre seres humanos. E quando é o próprio diabo o vilão já se espera prodígios de CGI (efeitos especiais).

Nicolas Cage, alvo do comentário de outra coluna, a propósito de “O Pacto”, outro filme seu em cartaz, ganha mais um ponto negativo numa carreira problemática. O verdadeiro astro do filme é a equipe dos efeitos especiais e, também, dos visuais (há distinção nessas categorias). São 8 técnicos de efeitos e cerca de 208 na parte visual. Muita gente trabalhando para o diretores Mark Neveldine e Brian Taylor organizarem sua encomenda comercial que vai dos quadrinhos ao “filme de terror” . Nada a agradar o cinéfilo exigente. E nem se pensa nesse pessoal. Este cinéfilo, onde se situa a critica especializada, revê “O Artista”, aqui em uma única sala, projetado na sessão em que estive com um desfoque incomodativo (a imagem em preto e branco mostrava-se borrada num quadro menor como se objetivou pensando no cinema antigo) ganha publico reduzido. Apesar dos 5 Oscar e de tantos prêmios internacionais, a grande platéia prefere tecnologia, ação e som em alto volume. Isso valeria para mais e mais fantasia.

Mas não sei se a fórmula está dando resultado no mercado nacional com “John Carter”. É de supor que a fantasia pura está sendo trocada por sustos como o que foi visto em “A Mulher de Preto”. No caso, susto até pela qualidade, pois, o filme incomoda quem apostou no carisma de Daniel (Harry Potter) Radcliffe.

Mas o gosto é algo democrático. E a expectativa do público por filmes não tão interessantes merece respeito. O que tenho muito.

OS GAROTOS FAZEM A DIFERENÇA

Thomas Doret e Cecile De France em "O Garoto da Bicicleta"

As estréias nos cinemas comerciais não animam: “John Carter Entre 2 Mundos” e “O Pacto”, a primeira um blockbuster da Disney baseado numa história do criador de Tarzan, Edgar Rice Burroughs, endereçada às crianças (obviamente em 3D); e a segunda mais um filme de ação com Nicolas Cage, ele interpretando um marido que depois de assistir sua esposa ser assaltada arranja uma segurança que lhe pede em troca favores absurdos. O lançamento mais promissor é “L’Apollonide, Os Amores da Casa de Tolerância”, filme francês que foi projetado no Festival de Cannes e trata de um bordel parisiense, nos primeiros anos do século passado. No Cine Libero Luxardo.

Para ver sem falta há dois filmes já em cartaz, interpretados por adolescentes: “O Garoto da Bicicleta” e “Poder sem Limites”.

“O Garoto da Bicicleta”(Le Gamin au Veio) marca a volta dos irmãos Jean-Pierre e Luc Dardenne a problemas infanto-juvenis (deles “Le Fils” e “A Criança”). O roteiro, assinado pelos diretores, procura uma linha introspectiva fugindo do melodrama, na visão profunda do comportamento de um menino órfão de mãe e abandonado pelo pai. Ao recusar este abandono, persegue a figura paterna encontrando, no caminho, uma cabeleireira que o cerca de atenções e se torna quase uma tutora, desmontando, aos poucos a intolerância e aversão do garoto  ao relacionamento com outras pessoas. Esta missão não é fácil e a luta maior prossegue quando o personagem se mete com traficantes e comete um roubo.

A narrativa usa pouca música incidental (apenas em um momento ouve-se a 5ª Sinfonia de Bettohoven), câmera insistentemente manual, e a evidência da bicicleta como a relíquia herdada pelo genitor e, afinal, a marca de um tempo menos sofrido. O pequeno intérprete, Thomas Doret, faz a festa. Mas as honras também cabem a Cecile De France, atriz que Clint Eastwood conduziu na cena de um tusiname em “Além da Vida”. Ela compõe a mulher decidida que prefere assumir a condição de desamada a deixar escapar a chance de fazer alguém feliz (ou menos infeliz).
Um excelente filme que ainda pode ser visto neste final de semana no Cine Estação.

“Poder sem Limites”(Chronicle/EUA, 2012) surpreende quando ousa unir a fórmula clássica dos filmes de ação com uma investigação psicológica. Três adolescentes acham um cristal que lhes dá superpoderes. De início eles usam timidamente essas qualidades. Mas quando sabem que podem voar começam as complicações. Um deles morre. O mais tímido do trio, alvo de bullyng no colégio, compreende que os poderes podem levar-lhe a chamar atenção. E isto se endereça especialmente ao pai despótico. Com a mãe doente, o garoto se preocupa muito com a medicação que ela deve tomar. Quando ela morre, e ele sabe que o pai, alcoólatra, não estava presente na hora dessa morte, rebela-se não só contra o genitor, mas contra a sociedade de um modo geral.

O roteiro de Max Landis podia gerar outro filme, menos afeito a CGI (Computer Generated Imagery) com programação visual de superespetáculo. Mas o diretor Josh Trank aceita as regras da indústria e transforma o trabalho num circo de horrores embora bem administrado. O espectador percebe a profundidade da idéia e se diverte com um visual mágico. No todo dá para se ver e perdoar as limitações.

Michael B. Jordan, um dos garotos de "Poder Sem Limites"

PRECIOSA- UMA HISTÓRIA DE ESPERANÇA

"Preciosa" será exibido às 20 h, no Cine Olympia em comemoração ao Dia Internacional da Mulher"

As lições do neo-realismo ainda podem contemplar narrativas do cinema contemporâneo. “Preciosa - Uma História De Esperança”(Precious/EUA,2009) enquadra-se na escola italiana dos anos de pós-guerra ao descobrir e lançar ao mundo as representações de tipos de anti-heróis num quadro deixado pela violência. Não à toa, portanto, que se vê nesse filme do diretor Lee Daniels uma seqüência de “Duas Mulheres” (La Cicciara/Itália, 1952) de Vittorio De Sica, sendo exibido na televisão. O currículo de iniciante aponta-o para o sofrível “Shadowboxer”, na direção, e o premiado “A Última Ceia”, como produtor.

O roteiro de “Preciosa”, foi extraído do romance “Push” (1956), de autoria da poeta Sapphires. O tema central aborda o dia-a-dia da adolescente Clairece Precious Jones, de 16 anos, com obesidade mórbida, maltratada pela mãe, violentada pelo pai. Desses episódios nasceu-lhe uma filha que ela chama de Mongo (devido a Síndrome de Down que a criança demonstra)  e, no momento em que novos fatos sao evidenciados, se acha  grávida de outro bebê.

A escola que freqüenta cujos padrões tradicionais revelam expertises variadas não valoriza o que a adolescente tem de melhor, assim, ela vai mal nos estudos, tanto por suas condições familiares como as de cunho social péssimas refletindo as atribulações de moradora de subúrbio sem infra-estrutura, com uma vizinhança marcante na desvalorização de seus atributos. Em casa, recebe diariamente demonstração de violência materna, e acha que a saída de seu drama, seguindo aconselhamento de uma assistente social da escola de onde foi expulsa, é matricular-se numa unidade de ensino alternativo, com valorização da arte dramática para o aprendizado que poderá afastá-la da solidão depressiva que vive. Mas há oposição em casa e nessa fase da vida conturbada de Claireece observa-se o “pomo da discórdia”: a possível perda dos recursos do governo que a mãe recebe para o sustento do neto especial. Consciente de sua situação, após o aconchego com a escola alternativa, dirigida por uma professora que acredita no seu talento, percebe que pode enfrentar os ditames maternos e seguir em frente junto às pessoas que a amam e não aquelas que só querem receber os recursos garantidos pela situação de miséria. Outros dramas emergem, mas a atitude da jovem, já com o segundo filho nos braços, demonstra que ela começou a adquirir capacidade de decidir seu destino.

Não conheço o texto original, mas  é significativa a força do roteiro de Geoffrey Fletcher ao conseguir sobrepor a trama às armadilhas melodramáticas que sempre se aproximam. E deve-se muito aos intérpretes. Gabourey Sidibe (candidata ao Oscar de atriz e já premiada com o Globo de Ouro de filme dramático) que interpreta a personagem principal. Sem experiência em arte dramática, aluna de psicologia do Mercury College (NY) e com atividades em uma empresa telefônica, foi convidada para um teste visando o papel de “Preciosa”, ganhando fácil as demais concorrentes. Poucas vezes se vê um entrosamento tão grande de personagem com atriz. E vai ser difícil daqui por diante a jovem conseguir, em outro filme, dissipar a imagem da sofrida Claireece. O Oscar, no caso, será muito importante em sua carreira. E ela é a favorita.

O filme de baixo custo (produção independente, selecionada para a Mostra de Sundance), foi realizado quase todo nas ruas e num pequeno aposento de aspecto humilde. A linguagem não ousa sair de uma descrição do que acontece aos tipos. O “décor” endossa a condição desses tipos. São pessoas de cor, miseráveis, cada uma com uma história dramática guardada no intimo (e uma delas, a mãe de Precious, a também candidata ao Oscar Mo’Nique). Com uma fotografia poucas vezes clara, tentando na penumbra dimensionar o drama, os cortes obedecem a um esquema tradicional, os planos são dosados para não fugir de uma linha “documental”, e é assim que o diretor Lee Daniels , cuja experiência maior é a de ter produzido o premiado “A Última Ceia”(filme que deu o Oscar a Halle Berry), consegue transmitir o confronto existencial de pelo menos duas mulheres (mãe e filha) sem cair na pieguice. É um exemplo de cinema de baixo custo, realizado por minorias, que se eleva por sua qualidade intrínseca, sem liame com a grande indústria. E por garantir um desfecho de esperança.

Se Gabourey Sidibe ganhar o Oscar é de se saudar a Academia de Hollywood. Ela seria mais uma atriz negra a ter em mãos a estatueta dourada. E sem o glamour de quem saiu na frente (como Halle Berry). Minha atriz predileta nessa festa.

 Cotação: Excelente (****)

(este texto foi publicado em 2010 quando o filme ainda estava concorrendo ao OSCAR desse ano)

MULHERES NO CINEMA

Barbara Stanwyck, em“Stella Dallas”(1937), de King Vidor.

Nos primórdios da indústria cinematográfica, as intérpretes dos filmes mudos eram cultuadas pelo aspecto físico que desenhavam para substanciar os tipos que viviam. Na verdade, muitos filmes eram criados para elas. Uma atriz como Pola Negri (1897 –1987) vendia beleza, uma Theda Bara (1885-1955) o exotismo, uma Mary Pickford (1892-1979) a ingenuidade. No caso, o talento expresso em interpretações ficava submerso no conjunto da obra projetada. Mas são essas mulheres talentosas que venceram o tempo e hoje são admiradas nos “cinemas de arte” e cineclubes.

Lembro a personagem de Janet Gaynor reencontrando o marido vivido por George O’Brien, tentado a traí-la no clássico “Aurora”(Sunrise/1928) de F.W. Murnau. Lembro, também, o tipo da ingênua que se prostituía por culpa da sociedade repressiva a que pertenciam seus pais, no único filme dramático dirigido por Charles Chaplin ”Casamento ou Luxo” (Woman of Paris/1923). E, como esquecer Falconetti, chorando num julgamento desafiador para o cinema silencioso em “A Paixão de Joana D’Arc”(Passion de Jeanne D’Arc) de Carl Dreyer porque infringira as leis se metendo em política de guerra?

No inicio da era do som há Barbara Stanwyck, em “Stella Dallas”(1937), de King Vidor, “serenando” o casamento da filha que a hostilizou. Um enredo semelhante deu margem a duas versões de “Imitação da Vida”(Imitation of Life/1934 e 1959). Mas elas nem sempre foram coitadinhas. Se na fase muda havia Pearl White como heroína de seriado de ação (“Os Perigos de Paulina”/The Perils of Pauline/1914,) no cinema falado, a mesma estrela de “Stella Dallas”, Barbara Stanwyck, mostrava como dar a volta por cima (no caso, um romance com homem casado que a abandona e lhe deixa uma filha), em “Mulher Proibida (Forbidden/1934), de Frank Capra. Nessa fase que hoje se diz clássica (e onde o preconceito era maior) ainda se encontram exemplos ireverentes como de Bette Davis em “Jezebel”(1938); Miriam Hopkins e Merle Oberon em “Infâmia”(These Three/1936); com “remake temático” vivido por Shirley MacLaine e Audrey Hepburn, em 1962, sob as ordens do mesmo diretor, Wiliam Wyler.

O cinéficlo não esquece closes de Ingrid Bergman em “Casablanca”. Mas a apaixonada Ilsa, do clássico de Michael Curtiz, vendia a imagem que os estúdios e a época edificavam sabendo que era o gosto do público. Na Inglaterra de 1945, David Lean exibia uma heroína aparentemente frágil, capaz de pensar numa traição ao marido, para recuperar o sentimento afetivo que não a prendia mais, de acordo com um texto do dramaturgo Noel Coward: Laura (Celia Johnson) de “Desencanto” (Brief Encounter). Mas, nenhuma personagem feminina deu tantos comentários evidenciando a força da mulher do que a Scarlet O’Hara de Vivian Leigh compondo muito bem a heroína do romance de Edna Ferber em “...E O Vento Levou”(Gone With the Wind/1939). Seria o arquétipo da mulher sulista (dos derrotados na guerra civil, ou confederados). Muitos diretores serviram ao produtor David O.Selznick. Ele voltaria a eleger uma figura feminina como base de outro filme famoso: “Rebeca, a Mulher Inesquecível”(Rebecca/1940)a estréia de Hitchcock no cinema americano.

Na cinematografia brasileira viam-se as decididas garotas das chanchadas (Eliana, especialmente) e, na fase Vera Cruz, a romântica Marina (Eliane Lage) de “Caiçara”(1950) ou a única incursão cinematográfica de Cacilda Becker (“Floradas na Serra”/1953).

Com a maior liberdade de expressão outras mulheres premiaram as telas. Certo que ainda foram vistas ingênuas sofredoras como a Cecilia (Mia Farrow) de “A Rosa Purpura do Cairo” (1985). Mas não tardou a chegar a combativa sindicalista de “Norma Rae” (Sally Field), a lutadora contra o assédio moral no trabalho, Aileen (Charlize Theron) de “Monster, Desejo Assassino”(2003); ou a Eliza de Uma Thurman em “Uma Mãe em Apuros” (2009) e tantas mais que impuseram um novo olhar para a mulher.

Nesse dia dedicado a elas, mulheres do cinema e as que vêem cinema são muito lembradas. As primeiras deram margem ao comentário da coluna, as outras que também mudaram com o tempo e já não exigem uma postura preconceituosa das que estão na tela. Nessa postura elas fazem a nova imagem de um gênero em uma arte.

Feliz Dia Internacional da Mulher. Com cinema e com afeto!

A MULHER DE PRETO

Daniel Radcliffe, em "A Mulher de Preto", plenamente descartável

Adaptado de um livro escrito por Susan Hill (um best-seller no Reino Unido) e de uma peça teatral de Jane Goldman, o filme “A Mulher de Preto”(The Woman in Black/UK 2012) trata, basicamente, de um jovem advogado viúvo que viaja para um lugar isolado chamado Crythin Grifford a fim de resolver pendências na documentação de uma herança centrada na venda de uma casa. Neste lugar, especificamente num castelo então vazio, ele se acha diante de uma série de episódios que levam ao seu conhecimento a presença de um fantasma que odeia crianças, matando-as. A sequência desse enredo corre por conta da assombração e do estresse do advogado que está para receber a visita do único filho e da babá deste a quem prometera uma temporada de férias no lugar onde trabalhava.

Não conheço o livro nem a peça originais. O filme, dirigido por James Whatkins para a empresa Hammer é típico de uma produção dessa firma muito comum nos anos 70, a mesma que promoveu atores como os veteranos (e hoje desconhecidos da maioria do público) Peter Cushing e Christopher Lee. O primeiro explorando, analisando e atacando e o segundo assombrando como Drácula.

A direção de arte de “A Dama...” procurou criar um clima com a arquitetura do castelo, realçada pela iluminação de Tim Maurice-Jones. Mas esse trabalho todo só serviu para reeditar a clicheria do “filme de terror” de velha tradição. Estão presentes, por exemplo, características como: a noite escura, a tempestade, os constantes relâmpagos (e trovões), os ruídos que se avolumam quando alguém vai aparecer no plano, com as máscaras bem ao feitio do que se tenha por fantasmagórico.

O ator Daniel Radcliffe, protagonista principal e que todos conhecem,  ficou milionário com as somas (em libra ou dólares?) do que ganhou na série Harry Potter e agora pretende continuar a carreira no cinema e no teatro. Mas a julgar por este exemplo que ora está sendo exibido entre nós, o rapaz está no caminho errado. Afirmou que não busca trabalhar com diretores famosos. Contenta-se com iniciantes ou os menos evidentes. É possivel que tenha razão quando é sabido que muitos talentos iniciantes não são devidamente prestigiados por produtores comerciais. Mas o caso de “A Mulher de Preto” não é bem isso. O roteiro é medíocre no modo como “copia” o terror de anos atrás. A “casa mal assombrada” não difere das congêneres de tantos filmes de diversas nacionalidades, inclusive os da própria Hammer. E a fórmula de querer assustar com acordes agudos antes de aparições é o que agora está sendo usado mais como reforço de paródia, a começar com o que realizou Mel Brooks e Gene Wilder em coisas como “O Jovem Frankenstein”(do primeiro) e “Lua de Mel Assombrada”(do segundo).

O personagem vivido por Radcliffe finaliza a sua aventura do modo como o diretor Wathkins deve ter considerado uma originalidade: quando o filho do advogado chega e ele o espera na estação rodoviária, o garotinho foge da atenção da ama (e do próprio pai) atraído pela entidade fantasmagórica e corre para o meio dos trilhos sendo observado que ele será atingido pelo trem que está chegando. O advogado corre e se abraça com o filho para protegê-lo do acidente iminente. O próximo plano capta os dois abraçados, supostamente salvos. Mas a fotografia ganha um tom especial, resplandecente. Pai e filho teriam morrido. E qualquer dúvida desparece quando as imagens integram a essa cena a figura da esposa/mãe(de há muito morta) que os recepciona. O mundo em volta, ou seja, a estação ferroviária está vazia e na iluminação natural. Também em muitos filmes do passado esse recurso de mostrar o plano do além é visto com o uso de lente especial e luz mais intensa. O charme dos fantasmas seduziu a equipe. Mas não creio que os/as fãs do antigo Harry Potter tenham preferido essa atuação de seu grande herói. Seria mais cativante, para esse público, vê-lo flanando por meio da vassoura mágica da escola de Hogwarts, mas, como está, o mais lógico seria fugir do atual set e sair pra outra...

‘A CONFISSÃO”, DE COSTA-GAVRAS EM DVD

Yves Montand em "A Confissão". Imperdível em DVD 

O diretor de origem grega Constantin Costa-Gavras criou uma tetralogia sobre as ditaduras nos anos 60/70 do século XX: “Z”(1968), “A Confissão” (L’Aveu, 1970), “Estado de Sitio”(1972) e “Desaparecido”(1982). Todos esses filmes já podem ser agora encontrados em DVD, nas locadoras. Faltava “A Confissão. Foi o único filme dessa fase que passou incólume pela censura brasileira do período militar. E se explica: a história explora a situação de repressão num governo de esquerda. O ator francês Yves Montand protagoniza o ministro de relações exteriores da Tchecoslováquia comunista que sofre nas mãos dos agentes federais por divergir de algumas ideias vigentes no governo. A tortura mental é documentada em cenas que ganhariam tesoura dos censores brasileiros se tivessem outro endereço. Mas não é um filme anticomunista e sim antiditatorial. E Gavras é um mestre no gênero. O roteiro é de Jorge Semprun, com base no livro biográfico de Arthur e Lise London.

Outro DVD que assisti foi “Mamute”(Mammuth/França,2010) apresentando Gérard Depardieu como funcionário de um açougue cujo apelido de mamute revela-se devido o seu físico avantajado. Quando sabe que chegou à idade de aposentadoria ganha dos colegas um quebra-cabeça e recebe a incumbência de procurar os papéis de seus empregos desde a juventude para poder obter a aposentadoria total. Para isso reanima a sua velha moto e sai pelas estradas atrás de velhos patrões e amigos. A viagem, mais do que o objetivo material, serve para Mamute rever a si mesmo, repensando amizades perdidas no tempo. Um filme de Gustave de Kevern e Benoit Delépine que me pareceu insuficiente para o tema introspectivo, talvez pelo cuidado de fugir a esquemas melodramáticos. Mas exalta a vida e tem Depardieu com a máscara que usou no excelente "Minhas tardes com Margueritte" (La tête en friche, França, 2010), de Jean Becker. E ainda mais: denuncia a via crucis de um servidor aposentado atrás de seus papéis, ou seja, submergindo na burocracia que domina esse enredo, vivido por uma pessoa que espera curtir um tempo após tantos anos de trabalho.

Um inédito muito interessante: “Medianeras, Buenos Aires na Era Virtual” (Medianeras/Argentina 2010). Inicia mostrando prédios de Buenos Aires, o bastante para dimensionar o”sufoco” de uma grande cidade. A câmera e a narração em off criticam os paredões, as pichações, a selva urbana. Enfim, focaliza Martin (Javier Drolas), profissional de informática que passa dias sem sair de casa trabalhando na construção de sites. Sua história tem paralelo com a de Mariana (Pilar Lopez), uma arquiteta em crise existencial, que ele encontra virtualmente. A conversação on line chega ao ponto de se encontrarem. O filme, porem, não é uma comédia romântica: é uma visão poética do mundo moderno e seus contrastes. Direção de Gustavo Taretto.

“Medianeras, Buenos Aires na Era Virtual”

Dois filmes de ficção-científica que circularam a pouco nos cinemas já estão disponíveis em DVD: “Gigante de Aço” e “O Preço do Amanhã”. No primeiro focaliza-se um futuro em que as lutas de boxe ou “lutas-livres” são exercidas por robôs, poupando os humanos de torturas. Um garoto que perdeu a mãe e tem a tia como tutora é deixado um tempo com o pai. Ele acha um robô no lixo e o transforma em um brilhante lutador. Isso privilegia o relacionamento pai e filho. Já “O Preço do Amanhã” mostra um futuro em que o dinheiro é substituído por frações de tempo. Com isso surgem pessoas que acumulam anos e se tornam praticamente imortais enquanto muitos lutam por cada dia de vida. Ideia e realização de Andrew Niccol, o autor de “Gattaca” e “O Senhor das Armas”.

Como se vê, todos esses DVDs são interessantes e, por isso, fazem parte da minha lista de indicados da semana.

EXTRAS

Desde o dia 5 até 7, serão exibidos filmes, às 14h, com debate temático no auditório do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas/Campus da UFPA. São eles: “Uma Mãe em Apuros”(2008), com Uma Thurman” (sobre uma dona de casa), “Pelos Meus Olhos” (2003), violência doméstica, da espanhola Iciar Bollain; e “Ribeirinhos do Asfalto” (2011) de Jorane Castro. Pelo Dia Internacional da Mulher.

O ARTISTA

O cinema é magia e também é mágica. No primeiro caso, produz efeitos e influencia comportamentos e sentimentos, muitas vezes não racionais. No segundo, cria  ilusões por meio de truques, que reportam ao ilusionismo com a percepção do fantástico.

Em “O Artista” (The Artist, 2011) têm-se esses dois momentos. Usando o arquétipo dos primórdios do cinema, quando este ainda representava em imagens sentimentos e ações de um enredo qualquer, em pequenos recortes de duração, captura a magia que estas imagens deixavam no público que ia a cata de conhecer esta arte, primordialmente vista como figurações dos prestigitadores, da “caixa mágica” que se apresentava nos salões de vaudeville, nas feiras; com o mérito criador de enfrentar as mais diversas dificuldades, por meio do gestual, da mímica, da forma de representação de sentimentos e matérias mais densas nas entrelinhas de um roteiro onde as idéias, se são simples romances, conduzem também a grandes dramas sociais e políticos. Nessa realidade, o enfático do filme do diretor francês Michel Hazanavicius é, então, mostrar de que maneira essas fases de criação são emblemáticas, para categorias que se animam e avançam na implantação do cinema como indústria: os atores que têm um quadro referencial específico onde a voz não é “elemento de troca”, mas a ausência dela se mantém no uso corriqueiro das mágicas; os diretores que entendem bem dessa métrica porque só esperam mesmo o impacto que vai emergir das platéias se a emoção ou a magia se efetivar com as mímicas e a máscara de quem representa e às quais eles tem que ser criativos a cada novo filme; os industriais que vêem o surto de um cinema mudo auferir grandes lucros porque perfeitamente acessivel a todas as classes sociais, tenham ou não bagagem intelectual. Há outro elemento, a platéia, que espera o fantasmático se apoderar visceralmente de seus sentimentos e sai da “sala escura” com vários ímpetos, entre eles e, principalmente, o reconhecimento de que entendeu perfeitamente o que as mágicas quizeram dizer.

Essa interpretação do que assisti do enredo do filme, está na teoria do cinema que a meu ver deve ser estudada, ao menos assistindo aos filmes da história do cinema. Com isso é possivel converter o que embala o enredo de “O Artista” dialogando com outros filmes, e que vão mostrando os bastidores das tensões nos estúdios, marcando a decadência de “astros” pela nova métrica do uso do som e a possivel revivência dos que se mantiveram em busca de novas oportunidades se adaptando às tecnologias que iam sendo criadas para incorporá-los no novo referencial exigido pelas platéias; além da emergência de outros atores e atrizes cujo desempenho passa a ser otimizado pela inovação (e, portanto, uma nova mágica criada) incorporada às mudanças com o nascimento de uma nova fase da indústria do gênero.

Assim, é possivel notar, na trama que o galã George Valentin (Jean Dujardin), num primeiro momento adorado pelo que representa na fase do cinema mudo, desprezando até seus próprios colegas, vai perdendo o elã dentro do estudio onde é contratado, quando não aceita se adequar à nova realidade. À semelhança de atores da época, como Rodolfo Valentino, John Gilbert, sua máscara interpretativa se mantém no exagero das feições, que para ele dariam conta dos milhões de aplausos que sempre recebeu quando surgia nas telas, em caracterizações e trejeitos faciais que supõe suprir a falta do diálogo. Por isso, empina o orgulho tentando acreditar que vai dar conta do desenlace dessa antiga mágica e o seu carisma. Mas acaba defasado, os demais que se adaptam seguem o novo formato cênico e ele perde espaço. A garota que Valentin leva para ser sua partner, Peppy Miller (Berenice Bejo) desponta na carreira tornando-se a grande estrela do cinema sonoro no estúdio que antes endeusava-o. Solidão, depressão e desespero se tornam aliados na queda, enquanto as novas tecnologias do som avançam.

Embora algumas opiniões que li revelem uma queda no filme a partir deste momento e com o “happy end” romantico entre Valentin e Peppy, considero que até este episódio se expressa como elemento dramático de uma Hollywood que vai aos poucos tomando a forma de indústria pesado circulando em vários “arraiais comerciais” com um novo produto do sistema capitalista que explora a arte.

Assim, o que “O Artista” quer mostrar, não é só a tensão entre o cinema mudo e o falado, mas a conexão de todos os demais engenhos de uma arte que até hoje ousa apresentar tecnologias de ponta para conviver com os quatro elementos já tratados acima. Filme imperível. Principalmente para os estudiosos do cinema.

CINEMA NAS COMEMORAÇÕES DO DIA DA MULHER

Universidade Federal do Pará

Instituto de Filosofia e Ciências Humanas

Faculdade de Ciências Sociais

Grupo de Estudos e Pesquisas “Eneida de Moraes” Sobre Mulher e Relações De Gênero – GEPEM

Pró-Reitoria de Desenvolvimento e Gestão de Pessoal – PROGEP

Diretoria de Saude e Qualidade de Vida /Coordenadoria de Qualidade de Vida e Responsabilidade Social.

COMEMORAÇÕES DO “DIA INTERNACIONAL DA MULHER”

TEMA:

Dira Paes em "Ribeirinhos do Asfalto" de Jorane Castro que será exibido no evento

MULHERES AMAZÔNIDAS: IMAGENS, CENÁRIOS, HISTÓRIAS,

Muitas linguagens expressam o tema proposto para homenagearmos o Dia Internacional da Mulher. Cinema, seminários e o lançamento de um livro com a temática mulher e gênero na Amazônia serão nossos caminhos de valorização em mais uma celebração.

O cinema expressa em imagens, ajudando também a produzí-las, o que a sociedade tem demonstrado em versões sobre as representações sociais evidenciando as relações de gênero no enfoque sobre as mulheres, suas atividades, suas formas de luta, suas conquistas e/ ou os arquétipos tradicionais dos tipos femininos avançando para os mais ousados, em mudanças nem sempre aceitas posto que alguns tipos ferem o reconhecido status quo.

Os debates temáticos em forma de seminários ou mesas redondas são sempre as ferramentas acadêmicas mais recorrentes. Expõem assuntos e ampliam as contribuições do público em forma de questões que se tornam problematizadas nas novas descobertas.

O lançamento de um livro expressa a maneira de prestar contas à sociedade sobre o investimento que faz, em forma de impostos, na possibilidade de os membros da academia apresentarem os resultados da aplicação desses recursos. Um livro é a síntese de um momento em que alguns assuntos foram pensados, problematizados e transformados em estudos teóricos e pesquisas, deixando de ser uma matéria isolada e pessoal para abrir-se às discussões pela comunicação pública.

A celebração do Dia Internacional da Mulher, neste ano de 2012, pelo GEPEM/UFPA e pela Pro-Reitoria de Desenvolvimento e Gestão de Pessoal – PROGEP através Diretoria de Saúde Qualidade de Vida/Unidade SIASS/UFPA, espera dialogar com os servidores/servidoras e alunos/alunas da instituição, e com a sociedade externa à academia, usando esses meios de comunicação dos mais ilustrativos e de grande força interativa – o cinema, o seminário o lançamento de um livro  – para que possam dizer alguma coisa sobre o habitus no cotidiano feminino.

PROGRAMAÇÃO

CINE GÊNERO
05/03/2012

HORÁRIO: 14 às 18 h

LOCAL: Auditório do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas (Campus UFPA)

TEMA: Enfoque sobre o cotidiano das mulheres trabalhadoras que têm filhos para cuidar.

FILME: UMA MÃE EM APUROS (Motherhood, EUA, 2009, 90min.) – Diretora e roteirista: Katherine Dieckmann, com: Uma Thurman, Anthony Edwards, Minnie Driver.

Sinopse: O filme se passa em um único dia na vida de Eliza Welch (Uma Thurman), escritora de ficção, mãe e blogueira, que espera dar conta de várias atividades: preparar a festa de aniversário da filha de seis anos, cuidar do filho mais novo, lutar pelo ambiente hostil de circulação da cidade, conviver com outras mães na pracinha, e desfazer equivocos de um post de sua melhor amiga. Eliza espera ainda garantir inscrição num concurso organizado por uma revista, mas para isso precisa escrever uma redação de 500 palavras sobre o sentido da maternidade para ela.

Debatedoras: Profa. Maria Angelica Motta-Maués – PPGCS/GEPEM

Profa. Maria Luzia Miranda Álvares – FCS/GEPEM

Representante da PROGEP/Diretoria de Saúde Qualidade de Vida/Unidade  SIASS/UFPA

Coordenação: Luzia Álvares

 06/03/2012

HORÁRIO: 14h as 18 h

LOCAL: Auditório do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas (Campus UFPA)

TEMA: Debate sobre a violência doméstica e sexual contra as mulheres.

FILME: PELOS MEUS OLHOS (Te doy mis ojos, 2003, Espanha, 109 min.) de Iciar Bollain 

Sinopse: A jovem Pilar (Laia Marull) foge de casa com o filho, numa noite de inverno, instalando-se na casa da irmã (Candela Peña). Tem medo que o marido (Luis Tosar) a encontre, o que ocorre pouco depois. Mas ela permanece entre os familiares criando-se, inclusive, um quadro que vai mostrar quem é quem na relação. Evidenciam-se os conceitos de lar, amor e proteção confundidos com violência, dor e medo.

Debatedoras : Profa. Adelma Pimentel – PPGP - GEPEM

Profa. Vera Lúcia de Azevedo Lima – ICS/EPOTENA

Representante da PROGEP/Diretoria de Saúde Qualidade de Vida/Unidade SIASS/UFPA

Coordenadora : Profa. Adelma Pimentel

07/03/2012

HORÁRIO: 14h as 18 h

LOCAL: Auditório do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas (Campus UFPA)

TEMA: Debate sobre a relação da familia amazônica da zona rural com o sonho da melhoria de vida na zona urbana.

FILME: RIBEIRINHOS DO ASFALTO (Pará, 2011, 25 min.), de Jorane Castro.

Sinopse: Curta metragem sobre Daisy (Ana Leticia Cardoso), garota que mora na Ilha do Combu, desejosa de estudar na cidade grande (Belém). O pai se opõe. Mas a mãe (Dira Paes) acompanha a menina numa viagem de barco à capital do Estado, pensando em se abrigar na casa de uma parenta moradora do bairro da Cidade Nova. Desconhecendo a cidade, passam pelo Ver o Peso, tomam um ônibus que não as transporta para o destino objetivado, caminham com a indicação de outrem até a casa que procuram. O plano da mãe é mudar para melhor a vida da filha.

Debatedoras: Profa. Denise Machado Cardoso –PPGCS/ GEPEM

          Profa. Edila Arnaud – PPGCS/GEPEM
         Cineasta Jorane Castro –ICA/Curso de Cinema
          Representante da PROGEP/Diretoria de Saúde Qualidade de Vida/Unidade SIASS/UFPA
Coordenação: Profa. Denise Machado Cardoso
 

08/03/2012

MANHÃ

SEMINÁRIO TEMÁTICO

Hora : - 9h30

Local : Auditório do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas/Campus do Guamá/UFPA

Tema - Mulher e Gênero: Conhecimento e Ação Política

O tema remete à reflexão sobre uma forte relação que permeia a vida universitária, entre a academia e o ativismo nas frentes onde é possivel aplicar o saber aprendido à melhoria da qualidade de vida entre os gêneros.

Expositoras: Profa. Denise Machado Cardoso – PPGCS/ GEPEM

                     Profa.  Luanna Tomaz - ICJ e GEPEM
Coordenadora: Luzia Álvares - FCS / GEPEM

Debate após as exposições.

Cofee break

 

TARDE

LANÇAMENTO DE LIVRO

Hora : 18:00 h

Local : Cinema Olympia (hall)

"Mulheres Amazônidas: Imagens-Cenários-Histórias”.

 Organizado pelas Professoras Maria Angelica Motta-Maués; Maria Luzia Miranda Álvares e  Eunice Ferreira dos Santos. Editora GEPEM, Gráfica UFPA.

O lançamento do livro demonstra o estado da arte no meio amazônico em que as relações de gênero são o estudo focal de várias temáticas problematizadas pelos/as pesquisadores/as com o olhar comprometido nas evidências do protagonismo das mulheres.

Exibição do filme "Preciosa - Uma História de Esperança" (EUA, 2009), direção de Lee Daniels. Parceira com a ACCPA e a FUMBEL.

Agradecemos a divulgação para estas atividades