COMÉDIA E CAMPANHA POLÍTICA

Will Farrel e Zach Galifianakis em "Os Candidatos"(2012)

 

A reunião do diretor Jay Roth, de “Entrando numa Fria”(2000) com o comediante Zach Galifianakis, de “Se Beber, Não Case”(2009) poderia até ser melhor, mas o que apresentou em  “Os Candidatos”(The Campagnie/EUA,2012) tem um toque hilário e não deve ser subestimado. Essa comédia voltou ao cartaz em Belém e ganhou impulso comercial com a recente campanha pela presidência dos EUA.

No filme, Cam Brady (Will Farrel), um congressista veterano, candidato pelo Partido Democrata à reeleição, ganha subitamente um adversário no tímido e inexperiente Marty Huggins (Zach Galifianakis). Este candidato de ultima hora pelo Partido Republicano é, na verdade, impulsionado por dois irmãos magnatas (Dan Aykroyd e John Lithgow) que desejam usar uma firma chinesa para atuar nos EUA sob controle de seus meios de produção. O que em principio parecia ser uma “parada fácil” para o já congressista logo se transforma num pesadelo que ele tem de enfrentar com recursos nem sempre éticos (como seduzir a mulher do concorrente) colocando as cenas ousadas nos jornais noticiosos.

O filme lembra bastante o clássico “A Mulher Faz o Homem” (Mr Smith Goes to Washington/ 1939) de Frank Capra, ressalvando-se as especificidades atuais do “fazer política”. Neste caso, era um interiorano (James Stewart) que substitui um senador falecido em acidente e revela a corrupção nas casas legislativas. No caso atual, o que se denuncia são as manhas dos pleitos, mostrando até que ponto vão os interesses financeiros que cercam os partidos e como as armas da luta pelos votos ganham dimensões inusitadas, umas aproveitando oportunidades outras forçando situações para ganhar a simpatia do eleitor. A figura do marqueteiro político é o eixo voraz das peças que devem remodelar as imagens dos candidatos, assim como as pesquisas de opinião que medem os altos e baixos das campanhas na sedução dos eleitores.

Há momentos realmente engraçados. Um deles é quando Cam vai dar um soco em Marty e o gesto acaba resvalando para o rosto de um bebê. Não satisfeito com isso o roteiro leva adiante outro acidente parecido: o candidato esmurra um cachorro de estimação. Tudo isso contando como peças desfavoráveis à imagem dele.

Zach Galifianakis é um ator que tem seduzido os espectadores a partir de sua expressão fisionômica. Não precisa escorregar e cair no chão como muitos astros da comédia. Ele faz rir de cara. E no filme não dispensa uma fisionomia sisuda, compondo o homem sério que nas reuniões familiares, especialmente nas refeições, solicita a cada filho que conte o que lhe parece vergonhoso, ou as más idéias na cabeça. O concorrente é o reverso, o “bon vivant” muito falante, expansivo, conhecedor das manhas políticas que vêm usando para se manter em um cargo (e visando,certamente, uma ascensão). Não é bem o foi exposto na comédia de Capra onde o rival maior do roceiro interpretado por James Stewart era o veterano e corrupto tipo vivido por Claude Rains. Nesse caso, as regras legislativas tendiam a capacitar quem estava no poder a manter sua linha antiética para aprovar projetos enquanto Mr. Smith teima em fugir dessa ambiguidade da política.

“Os Candidatos” consegue ser muito divertido, embora longe de ser tomado como uma denúncia mais séria a meios escusos usados em eleições norte-americanas ou ir além apontando os milionários compradores de votos. Contudo, mostra como “fabricar políticos” usando a máquina de marqueteiros para “dourar a pílula”. Nota-se que os personagens não se livram de velhos estereótipos, ou declaradamente bons na sua ingenuidade (no caso “rima” com honestidade), ou maus seja na cobiça desmedida seja em atitudes amorais na luta pelo poder. E não se esperava outra coisa no filme, mesmo assim ganhando campo na sua narrativa ágil e nos seus bons propósitos. O que destoa, certamente, é o final, absolutamente improvável, embora de efeito moral cabível no exemplo de “Mr. Smith Goes to Washington” e outros títulos do tema. Nesse caso, lembro “Tempestade Sobre Washington” (Advise and Consent, 1962) de Otto Premminger. Enfim, como atualmente o cinema vem acenando para vilões-heróis, a comédia em cartaz merece ser vista. Até por se confirmar que não é só no nosso terreno que se aponta vilão ou se fabrica o que possa vestir essa indumentária.

(Originariamente publicado em O Liberal de 27/11/2012) 

O GALANTE MR. PATTINSON

Cena do filme "Bel-ami - o-sedutor" estrelado por Robert Pattinson e Uma Thurman

Inédito nos cinemas locais mesmo com a popularidade do ator Robert Pattinson, o vampiro romântico da serie “Crepusculo” (levando multidões ao cinema com o novo “Amanhecer, Parte 2”), “Bel Ami, o Sedutor”(Bel Ami/França,UK,2012) decepcionou comercialmente desde os seus pontos de origem. E desta vez com unanimidade: público e critica. Não vejo motivo para tanto, especialmente no que se refere ao publico. Baseado em um romance de Guy de Maupassant (um dos meus escritores preferidos) com direção da dupla Declan Donnellan e Nick Ormerod focaliza o ambicioso George Durac (Pattinson), plebeu que se insere na classe alta da Paris do século XIX, através de mulheres casadas com homens ricos. O jovem não tem escrúpulos em seduzir 3 esposas da alta burguesia, sendo que uma delas não só o trai como é quem possui mais dinheiro em caixa.

O filme tem uma produção de alto nível recriando o espaço de circulação do novo Casanova, e Pattinson não precisa fazer muito esforço para deixar a imagem de um canastrão. Como as suas paqueras estão Uma Thurman, Kristin Scott Thomas e Christina Ricci – atrizes de primeira linha como se vê. O nome Bel Ami, que sintetiza Bom Amigo, é dado pela filha de uma de suas conquistadas.

Outro filme que assisti na semana passada foi “Rosa Morena”(Brasil/Dinamarca, 2010), um raro exemplar de co-produção do nosso país com os dinamarqueses realizado em locação em S.Paulo, tendo na direção Carlos Augusto de Oliveira, sob um roteiro de Jens Dahl baseado numa história de Morten Kirskov. Trata de um dinamarquês que chega ao Brasil para melhorar o ânimo, estando seu casamento em crise e sua situação financeira, na Dinamarca, em compasso de hesitação. Ele quer adotar uma criança e para isso procura um amigo e através deste conhece uma família da favela. A dona da casa está grávida depois de ter 3 filhos e viver miseravelmente. Está inclinada a dar a criança que vai nascer. O dinamarquês acompanha o fim da gestação e o parto, dando ainda um tempo para o aleitamento materno. As coisas complicam quando ele se torna amante dela, mas consegue superar o problema com os namorados dela. Além disso, há a noticia, dada pela esposa na Dinamarca, que sua firma de construções faliu.

O filme esteve no Festival de Cinema Brasileiro nos EUA e foi eleito o melhor da Mostra de Cinema de s.Paulo em 2010. Os atores convencem, em destaque Anders W.Berthelsen.

Roteiro e direção não conseguem que a questão social e o drama psicológico ganhem dimensões excelentes. Mas o resultado está bem acima da média. Curioso é que não chegou aos cinemas locais, e mais ainda por ter cumprido data de exibição compulsória de filme brasileiro.

Nas evidências do que pretende tratar este filme, subentende-se a questão do tráfico de crianças. Apesar da roupagem narrativa ele tende a dar força Sobre a pobreza das familias brasileiras e no que é possivel “salvar” crianças das favelas. O dinamarques “bonzinho” pode usar qualquer artificio para tirar a criança de onde estas vivem e o espectador vai comecar a aceitar essa justificativa. Não gostei.

Filmes recentemente exibidos nos cinemas comerciais e comentados aqui em PANORAMA chegam agora ao DVD: a animação “Valente”, candidata ao Oscar da categoria no próximo ano com grandes chances de vencer; o trabalho denso do brasileiro Fernando Meirelles, “360” (na realidade 360 Graus), outro filme estrangeiro realizado por brasileiro e também um trabalho árduo dedicado a público restrito: "Na Estrada” , de Walter Salles; e o elogiado e campeão de bilheteria “Batman, O Cavaleiro das Trevas Ressurge”, dirigido por Christopher Nolan que assim completa uma trilogia sobre o Homem Morcego dos quadrinhos criados por Bob Kane. Este último filme também está sendo cogitado para os próximos Oscar.

MOSTRA DE FILMES "NOIR" NO OLYMPIA

Dana Andrews e Gene Tierney em "Laura", de Otto Preminger

 

 

De 27/11 à 02/12/12

DIA 27/11 - RELÍQUIA MACABRA(1941)de John Juston

DIA 28/11 - PACTO DE SANGUE (1944)de Billy Wilder

DIA 29/11 - LAURA (1944) de Otto Preminger

DIA 30/11 - Á BEIRA DO ABISMO (1946) de Howard Hawks

DIA 01/12 - UM RETRATO DE MULHER (1944) de Fritz Lang

DIA 02/12 - O GRANDE GOLPE (1956) de Stanley Kubrick

 

Sessão às 18:30 h com entrada franca

 

VAMPIROS ROMÂNTICOS

Kristen-Stewart-e-Robert-Pattinson-em "A Saga Crepusculo- Amanhecer parte 2"

Na sua primeira semana de exibições nos cinemas dos EUA “A Saga Crepúsculo: Amanhecer, 2ª Parte”(Breaking Down 2) rendeu 141 milhões de dólares. Sabe-se que no Brasil foram feitas cópias em números recorde para atingir cinemas de todas as cidades (fora as projeções digitais que não precisam de película), a exemplo, Belém, onde 5 salas de cada shopping estão ocupadas com o filme em versões originais (com legendas) e dubladas.

É de se perguntar: por que tanta euforia em torno de um casal de vampiros, agora com uma filha e às voltas com outros vampiros e, ainda, lobisomens? A primeira explicação paira no fascínio dos mitos. Os filmes e livros que abordaram mitos como os que amedrontam os/as leitores/as sempre apresentaram um bom público. Há, inclusive, um estudo sobre os contos de fadas, de Bruno Bettelheim (A Psicanálise dos Contos de Fadas, 17ª ed. 2002, hoje no endereço http://xa.yimg.com ), onde se observa a arquitetura do mal através desses contos e mitos e seu significado na criação de uma criança. Psicólogos gastaram laudas escrevendo sobre o quanto essas histórias influem negativamente nesses infantes. Emparelha-se à sentença da babá ao dar alimento para uma criança:”- Come logo senão o bicho te pega”.

A norte-americana Stephenie Meyer havia escrito “Crepúsculo”(Twilight) como uma brincadeira ou uma diversão muito particular. Sua irmã, ao ler o texto, incitou-a a levar para publicação. Ela certamente quis desmitificar o vampiro moldado por Bram Stocker em “Drácula” vendo a casta desses sugadores de sangue como pessoas aparentemente comuns, capazes de amar como são capazes de odiar. O fato de ser imortal desde que se livre de símbolos da vida como a luz do sol e relíquias cristãs, além de alguns temperos e objetos de prata (analogia com os“trinta dinheiros”, ou moedas de prata, que Judas recebeu por trair Jesus), chega a ser não uma dádiva, mas terrível maldição.

Os filmes derivados dos livros de Meyer ganharam enorme popularidade por unir a fantasia ao romance. Atores jovens levam a um efeito mimético que elimina o terror clássico aliando o mito à metáfora de “morrer de amor” (ou viver eternamente por ele).

No filme que está em cartaz mundialmente (estreia em Los Angeles amanhã) é dirigido por Bill Condon, cineasta responsável pelo excelente “Deuses e Monstros” (Gods and Monsters/1998), com roteiro dele baseado no livro de Christopher Bram sobre a vida do cineasta James Whale, o responsável pela melhor versão de “Frankenstein”(1931). Whale teria sido assassinado por manter uma orientação sexual diversa do modelo tradicional, culpando-se, na ocasião, o seu jardineiro (por quem era apaixonado). Foi o melhor trabalho de um grande ator inglês, Ian McKellen (de “Senhor dos Anéis” e agora “O Hobbit”). Condon realizou as duas partes de “Amanhecer” em um só tempo (a produtora do filme é que dividiu para melhor rendimento como fizeram com o último livro da franquia“Harry Potter”). Não é possivel exigir excelência estética num trabalho eminentemente comercial. Mas ainda assim há resquícios de agravos sérios no conjunto, como o desempenho da atriz Kristen Stewart. A “mãe vampiro” que luta para que seres da espécie não ataquem seu rebento é ainda mais ridícula com a profusão de closes. Aliás, o roteiro (não sei até que ponto obedece ao original literário visto desconhecer o livro) não aproveita a liberdade de idéia, como seja, a humanização dos mitos em sua perspectiva atual. Com isso ganha o caricato. E não é comédia. A batalha final de hordes vampíricas e lobos em uma região gelada é apoteose de blockbuster capaz de gerar gritos na plateia. E os diálogos sobre a capacidade de convivência de espécies é de um grotesco atroz. Mas de que vale apontar defeitos no trabalho de Condon? A hegemonia do cinema de fácil comercialização desafia qualquer análise de forma ou conteúdo. E a platéia (não só a garotada, mas muito jovem acima dos 20) que aplaude os vampiros amantes pouco está ligando para quem os ache carnavalescos, mesmo fora do tempo. Mas se há resquicios de um “dia das bruxas” que venha nesse meio enfeitar a sintonia. Se merecem!

DA CAIXA À POSSESSÃO

Natasha Calis é Emmy em "Possessão"

No filme “A Caixa”(The Box/EUA, 2009), com roteiro do diretor Richard Kelly tendo por base uma história do pródigo Richard Mathenson, uma caixa chega pelo correio e quem a abrir recebe um inusitado convite: um milhão de dólares para matar quem desconhece. Recusar o convite é se tornar vulnerável a um mau espírito matador. Pois bem, este “Possessão”(Possession/EUA, 2012) baseado no artigo “Jinx in a box” de Leslie Gornstein (escritora free-lancer de Los Angelles), em exibição há três semanas em salas da periferia da cidade, tem pontos semelhantes. No enredo, uma caixa chega às mãos de uma menina e com o tipo de “assistência” solta um fantasma maligno. A diferença começa com os “pródromos”da possessão. A garota ao tocar a caixa fica com o dedo escuro como se tivesse apertado em algum lugar. A espécie de gangrena vai ganhando o corpo dela. Com a irmã, mora com o pai, um treinador de basquete que está em vias de se separar da mãe e sempre se mostra preocupado com as filhas, embora não pareça dar importância ao que acontece com o dedo da mais nova. A trama só ganha terreno médico quando a menina vai a um exame de cintilografia e aparece um espírito“parasitando”o seu corpo.

A sequência inicial mostra uma anciã aproximando-se da tal caixa, sendo jogada para trás como se estivesse fazendo ginástica circense, coreografia díspar de pessoas de sua idade. Não interessa quem é. Logo as imagens apresentam o Sr.Clyde (Jeffrey Morgan) treinando um time de basquete. Dali sequencia as cenas da casa da família, apresentação das personagens, destaque para a menina Emmy (Natasha Calis) e, naturalmente, a tal caixa (sempre focalizada no escuro).

Os/as espectadores/as acostumados a assitir aos filmes de terror reconhecem de imediato o final da história supondo uma cena de exorcismo. Entretanto, isso não ocorre. Por mais que o exorcista consiga arrancar o fantasma do corpo de Emmy e leve a caixa com ele, em seu carro, um acidente deixa em aberto uma sequência para o próximo ano (dependendo, é claro, da bilheteria que este “Possessão” vai garantir).

Produzido por Sam Raimi, que tem experiência no gênero e fez uma excelente paródia dele em “Noite Alucinante”(Evil Devil 2), com direção do dinamarquês Ole Boredal, o que parece cuidado narrativo são alguns enquadramentos. Um rosto no canto do quadro em primeiríssimo plano com ação no fundo não é rotina. Mas esse capricho formal, ajudado por uma iluminação econômica, não salva um roteiro bobo, um “déja vu”, além de “A Caixa” apresentar lembranças de diversos outros filmes inclusive de “O Exorcista”(e a personagem tende a associar certa máscara da atriz adolescente Linda Blair).

Infelizmente há publico para esse tipo de programa. Quem assiste reconhece outros filmes bastante parecidos já vistos. E até por isso, diluindo os possíveis sustos, diverte-se com a trama. E o mais sério é conhecer opiniões críticas que veem além das aparências. É aquela sentença de que achar qualidades em uma obra depende muitas vezes da boa vontade de quem procura. “Possessão”é um filme bastante ruim, contudo, é possivel que suas qualidades estejam em maior vantagem do que o novo blockbuster “Amanhecer Parte 2”. O que impulsiona neste que deve ser o último capitulo de uma série sobre vampiros românticos a provocar a memória de Bram Stoker (autor de “Dracula”) é o que o público pode esperar do casal vampiro que vê seu rebento perseguido pelos rivais devoradores de sangue. Os tipos imaginados pela escritora Stephanie Meyer também dão licença ao lobisomem, lançado no cinema em 1941, pelo novelista e roteirista Curt Siodmak (1902-2000), irmão do diretor de filmes “noir”, Robert Siodmak. É uma salada cultural com tempero sensacionalista. Os curiosos que se habiltem.

 

MUSICAIS DE ONTEM

Uma das cenas mais marcantes de "Sete Noivas para Sete Irmãos" exibido na recente Mostra de Musicais no Olympia.

Certa ala da crítica criada a partir dos “Cahiers du Cinéma, revista francesa que mantinha o fervor da ideologia marxista nos anos sessenta, se indispunha contra os filmes norte-americanos e em especial, aos filmes de gêneros. Na verdade, o que propunham esses intelectuais do cinema francês era a desmontagem do que estava por trás dos filmes confrontando o que era visto e o que deveria ser olhado com a perspectiva da ideologia do ambiente onde se compunham as imagens. Um livro muito instigante que me levou a conhecer esse potencial crítico (e graças a Deus consegui um exemplar) foi “Cinema, Arte e Ideologia” (Editora Afrontamento, Lisboa, 1975) com textos de vários autores dissecando os filmes e analisando as simbologias e as metáforas que deveriam ser buscadas. Outro livro, de Eduardo Geada, “Cinema e Transfiguração” (Livros Horizonte, Lisboa, 1978) também me deu subsidios para entender a complexidade da linguagem do que havia “por trás” das câmeras” e como deveria ser visto este ou aquele filme com a perspectiva de “uma crítica materialista”. Primeiro, radical, depois menos, fui aproveitando essas incursões para aprender e apreender a linguagem cinematográfica e os gêneros. Hoje, não creio que esse tipo de filmes “faça mal” a ninguém se avaliados com a desmontagem do que representa o a cultura norte-americana. Assim, creio que essas mostras de gêneros no cinema realizadas no Olympia em seu “ano centenário” devem ser aproveitadas despojadas da visão simplista que pode perder a perspectiva do que representaram ontem e hoje.

No caso da Mostra de Filmes Musicais exibida na semana passada leva-me a lembrar outra situação: esse gênero não era tão preferido dos paraenses como era no sudeste, especialmente no Rio de Janeiro. Lá havia 3 salas da MGM, a maior produtora desse tipo de filme e as estréias dos filmusicais com a marca do leão eram disputadas e comentadas. Aliás, quem não entrasse nesse gênero nessa empresa poderia perder o pódio da corrida aos cinemas ocidentais (talvez até orientais). Exploro abaixo alguns dos filmes que foram exibidos nesta semana

“7 Noivas Para 7 Irmãos”(Seven Brides for Seven Brothers/1954) vem da lenda “O Rapto das Sabinas” como foi escrita por Stephen Vincent Benet com roteiro de Frances Goodrich e Albert Hackett. A direção coube a Stanley Donen (“Cantando na Chuva”com Gene Kelly) e o elenco é encabeçado por dois cantores: Howard Keel e Jane Powell. Ela também dançava, mas neste filme se limitou a cantar, fazendo dueto com Howard Keel. Na dança esteve Russ Tamblyn e entre outros Jacques d’Amboise, o dançarino principal do Balé da Cidade de Nova Iorque. A coreografia de Michael Kidd atinge o ponto mais alto quando os irmãos sertanejos destroem uma casa que está sendo construída. Também um número marcante e divertido é quando o grupo de irmãos planeja fazer a corte às moças sequestradas seguindo a historia do rapto das jovens sabinas pelos romanos .O jogo de cadeiras nesse momento é muito criativo e além do brilho coreográfico há o tom de comédia.

“7 Noivas..”foi um dos primeiros muscais a aproveitar o cinemascope, utilizando com propriedade a largura do quadro (tela). Depois dele lembro “Meias de Seda”,nesse tom.

Outro musical da mostra foi “Papai Pernilongo”(Daddy Long Legs/1955) de Jean Negulesco, segundo um roteiro de Henry e Phoebe Ephron, de uma historia de Jean Webster. O diretor não era especialista em musicais, mas o filme apresentava Fred Astaire e Leslie Caron e a coreografia de Roland Petit. A história havia sido filmada como simples comédia em 1919, por Alfred Stern, com Mary Pickford, em 1931 por Marshall Neil com Janet Gaynor e Warner Baxter e, em 1938, por Frederic Zelnick (na Noruega). Sempre a trama de um mecenas que paga o internato de uma garota e ela só vê suas pernas na hora em que visita o estabelecimento daí chama-lo de “papai pernilongo”. No musical de Negulesco salta o número “Something’s Got to Give”. Produção da 20th Century Fox.

Outro titulo,  “Escola de Sereias” (Bathing Beauty/1944) é interessante por dois motivos: lançou o comediante Red Skelton e a bailarina “aquática” Esther Williams. Foi o começo dos “filmes de piscinas”, este com direção do hábil George Sidney (que chegou a realizar até “Amor à Toda Velocidade”, com Elvis Presley e Ann Margret), além da melhor versão de “Os 3 Mosqueteiros” (com Gene Kelly) em 1948.

E em se tratando de importância histórica, “O Balanço das Horas”(Rock Around the Clock/1956) marcou época por lançar o rock’roll com Bill Halley e seus Cometas provocando filas imensas e danças dentro dos cinemas.

NOVA COMÉDIA ITALIANA

 Stefania Sandrelli e Valerio Mastandrea em "A Primeira Coisa Bela"

Ao que se pode deduzir, as comédias italianas estão de volta, agora na mais nova tecnologia, o DVD e, “A Primeira Coisa Bela”(La Primma Cosa Bella/Itália,2010), está sendo vendido como o marco dessa volta. Mas apesar de citar um dos ícones do gênero, Dino Risi, o filme dirigido por Paolo Vizi é bem dramático. A veterana atriz Stefania Sandrelli (de “Nós que nos amávamos tanto”) protagoniza a mãe moribunda a quem o casal de filhos acode e, a partir daí, passa a lembrar do passado em comum. O roteiro usa de constantes flashbacks e com isso diminui o senso melodramático deixando fluir o humor. Cada filho tem seu problema, especialmente Bruno (Valerio Mastrandela). Nesse entorno de lembranças eles descobrem a existência de um irmão, gerado depois da separação de seus pais. É o segredo da mãe só desvendado nesse momento. Tudo bem dirigido e bem italiano. Não chega a lembrar dos filmes de Risi ou mesmo de Mario Monicelli, mas é um raro programa nesta fase em que muito pouco chega até nós, seja em tela grande seja em pequena, do cinema que se faz na Itália.

Outro filme interessante é “Valentino” (UK, 1977), uma das muitas extravagâncias do diretor Ken Russel (falecido em 2011). No texto, ele ficciona a vida do famoso ator do cinema mudo, Rodolfo (ou Rudolph ou simplesmente Rudy) Valentino, detalhando seu relacionamento com a atriz Natasha Rambova e o flerte com Alla Nazimova (esta chegando a ser uma das estrelas de vulto na velha Hollywood). O diretor inglês usou o bailarino Ruldolph Nureyev para o papel do galã do cinema mudo por quem as mulheres se apaixonavam. A escolha se deve principalmente ao fato de Russel mostrar os números de dança executados por Valentino que além de personagem de filmes de aventuras dançava tango em cabarés. E o bailarino está bem a vontade no papel. Mas o melhor do filme é o aspecto plástico realçado numa esplendorosa fotografia de Peter Suschitzky.

Gostei de assistir a “Jeff e as Armações do Destino”(Jeff Who live in home/EUA,2011) muito original na abordagem de irmãos diferentes em temperamento e iguais em sensibilidade. O Jeff do titulo (Jason Segel) é arredio, vivendo em casa com a mãe viúva (Susan Sarandon). O irmão mais velho (Ed Helms) tem ciúmes da esposa a quem negligencia. A ação é a procura de Jeff pelo significado de sua vida entrando em várias situações que julga ser objetivas para o que procura, entre as quais a luta do irmão ciumento que tenta descobrir a infidelidade da esposa, perseguindo-a acompanhado do irmão. Jeff acha que uma pessoa chamada Kevin tem importante papel em sua vida. Direção de Mark e Jay Duplass. O interessante é que o diretor mescla essa ação e o comportamento de Jeff com as simbologias do filme ”Sinais” (2002), de M.Night Shyamalan que evidenciam o comportamento das pessoas por alguma razão do destino.

“À Beira do Abismo”(The Big Sleep/EUA, 1946) é sempre citado entre os mais expressivos “film noir”. Humphrey Bogart protagoniza o detetive Philippe Marlowe e na trama se vê às voltas com roubo e assassinato em uma família milionária. O principal papel feminino é defendido por Lauren Bacall que na época da produção estava de romance com Bogart. O diretor Howard Hawks foi padrinho de casamento dos dois. O roteiro de “The Big Sleep” (O Grande Sono) é de autoria do escritor William Faulkner, um dos grandes nomes da moderna literatura norte-americana, com base no romance policial de Raymond Chandler, cujos direitos foram vendidos por Howard Hawks à Warner em 1944. No DVD lançado pela distribuidora Versátil há um disco-bônus com uma versão que teria sido a escolhida por Hawks (e não a que foi editada pela produtora, Warner Bros) e mais o “noir” colorido “A Arte de Matar”, versão do mesmo romance, com o mesmo titulo original, dirigida por Michael Winner, em 1978, protagonizado por Robert Mitchum e Sarah Miles.

 

FARSA OU TRAGÉDIA?

Ben Affleck e a farsa do imperialismo 

A primeira sequencia do filme “Argo”(EUA/2012) de Ben Affleck mostra uma síntese da história contemporânea do Irã, lembrando que o país era a antiga Pérsia e seus governos sucessivos extrapolaram ações repressoras culminando com as atrocidades cometidas pelo xá Reza Pahlavi, deposto e refugiado nos EUA para tratamento de um câncer. O relato termina com a situação atual quando os aiatolás assumiram o governo e o povo passou a revidar os maus tratos sofridos odiando, especialmente, os norte-americanos, pelo asilo dado ao ditador deposto.

A narrativa se inspira em um fato real, quando alguns funcionários da diplomacia norte-americana ao viverem a invasão da sua embaixada por revoltosos iranianos se refugiaram na embaixada do Canadá. Ali permaneceram sem poder sair, pois os que os odiavam estavam nas ruas, esperando-os.

Basicamente o enredo é a operação idealizada por um agente da CIA que simula a realização de um filme de ficção cientifica em território iraniano e, para isso, cria equipe de produção & tudo o que tem direito numa empresa holiwwdiana e, na terra estrangeira, seria formada pelos seis refugiados de seu país. Este plano é meticuloso, mas poucos acreditam que dê resultado. Consultando pessoas de cinema, Tony (Ben Affleck) consegue mostrar aos interessados um roteiro e um “storyboard”, assim como pede que cada um dos refugiados decore o que deve dizer das tarefas de filmagem (há um diretor, uma roteirista, um produtor etc.). Tudo caminha para a realização do plano quando o Departamento de Estado do governo Jimmy Carter, resolve mudar as regras e ativar uma tropa militar para liberar de qualquer forma os mais de 70 reféns que já haviam sido presos, incluindo os outros seis nessa nova campanha militar. A medida seria perigosa, talvez mais do que a realização do filme de mentira arquitetado por Tony. Em vista disso ele resolve contrariar os superiores e seguir avante em seu plano.

O filme é extremamente bem narrado dando a impressão, em alguns momentos, de um documentário. Mas o que eleva o resultado é uma direção de atores eficiente, a mescla de locação com cenas de estúdio, e tudo resolvido por uma edição exemplar. Para que se tenha uma ideia de como a trama funciona basta levar em conta a emoção que gera num crescendo, chegando à agonia do suspense nos planos semifinais.

Há cortes de segundos detalhando expressões em closes e alternando movimentos manuais de câmera que sugerem uma cine-reportagem. Affleck não só trata do que a personagem diz “filme de mentirinha”, ou o filme dentro do filme, como elabora o suspense em alta dosagem. Os tipos sabem que se algum detalhe for percebido, na fuga para um avião suíço, eles estarão mortos. O crescente ódio dos iranianos contra os norte-americanos é demonstrado em momentos como numa feira onde um homem idoso reclama da foto captada por uma das personagens e evoca a sua condição de pai de uma vitima das atrocidades de Reza Palahvi acobertado pelos americanos. Na hora do embarque, no aeroporto, é“tudo ou nada”, com o espectador na ponta da poltrona torcendo para que os guardas locais aceitem a ideia de um filme popular e até se entusiasmem com os desenhos de cenas.

O que falha em “Argo”, e este nome deriva da ficção que seria filmada no Irã (um plano detalhado em cima de um processo ardiloso e falso) é não só a sequencia de fecho onde se vê o agente da CIA em casa, com a família e, no plano de fundo, a bandeira americana tremulando. Ele, “herói”, não havia sido reconhecido oficialmente como tal, mas a condição “patriótica” ganha corpo como forma de homenagear a coragem de um filho da América. Coisa da velha Hollywood. Além dessa sequencia há toda a dimensão “de bastidores” contada em fragmentos sobre o enriquecimento de empresas norte-americanas e as atrocidades cometidas em nome do imperialismo. O filme de Afleck é daquele tipo de dá lição de como se organiza a ideologia de direita em função da convicção de que “só estamos vendo um filme....” Aliás, ele deve ir ao próximo Oscar com muita chance de ganhar. Está fazendo a cabeça dos eleitores e de quantos não têm acesso ao que o ocidente oprime o oriente. Mas as criticas são favoráveis a ponto de um site que faz o balanço dessas critica adjetivar que é “extraordinário”.

 

FRANKENSTEIN MIRIM

 Tim Burton e seu novo trabalho : "Frankenweenie"

 

Em 1984, o diretor Tim Burton realizou um filme curta metragem artesanal, para uso doméstico, com o título “Frankenweenie”, explorando a seguinte história: um cachorro morre atropelado e no desespero de seu jovem dono, Víctor (que é fascinado pelo filme de James Whale, “Frankenstein” mais do que pelo livro original de Mary Shelley), providencia o arsenal técnico capaz de ressuscitar o animal, com o uso da eletricidade. Não falta nem mesmo o papagaio que Benjamin Franklin usou como para-raios. A engenhoca funciona, mas o animal só revive quando o dono se acerca dele, abraçando-o com ternura. Seria mais o amor do que a eletricidade que trouxe de volta o cãozinho Sparky.

É de supor que este “Frankenweenie” ”(EUA/2012), lançado agora, seja uma espécie de auto-homenagem ao tempo do diretor de “brincar de cinema”. Para refazer o pequeno filme, agora em longa-metragem produzida pela Disney, Tim Burton preferiu continuar usando o preto-e-branco e acrescentou a 3D. O que se vê é uma rara animação, sem cores, e no moderno processo tridimensional. Confesso que foi o primeiro filme p&b (e ainda mais desenho animado) que assisti em três dimensões. Uma pena é que o respeito ao original não tenha conseguido manter o som que Burton imaginou com os atores que ele escolheu. A dublagem brasileira bem que é esforçada, mas o cochichado necessário faz com que se percam muitas frases dos diálogos.

Burton já havia trabalhado numa animação “de terror”. “Noiva Cadáver”(Corpse Bride/EUA, 2005) fez sucesso, assim como “O Estranho Mundo de Jack” (Nightmare before Christmas/EUA,1993) que ele só escreveu e produziu, entregando a direção a Henri Selick. Creio que os dois filmes citados resolveram melhor a inclinação do cineasta pelo macabro. Este desafio de agora não é nada desprezível. Os tipos desenhados estão fora do padrão de beleza tradicional, mas, ao mesmo tempo são hilários. O garoto vizinho do principal personagem, um solitário com cara de monstro, é um bom exemplo e se encarrega também de promover uma sessão de bulling ao obrigar Vitor a investir sua expertise em outras experiências sob pela de denunciá-lo para a cidade inteira. Há, também, um professor que por certo foi inspirado num dos ícones dos filmes de terror, especialmente os de Roger Corman: Vincent Price. Pode-se dizer que é uma caricatura de Price. Além desses tipos há um executivo que estereotipa os donos de escolas de comédias e desenhos. Este é o “ranzinza”da trama, mas segue a regra de um gênero de comédia ao se penitenciar do comportamento ríspido quando sua sobrinha é raptada por um “morto vivo” que surge de experimentos de colegas do dono de Sparky. Carregando na energia elétrica os meninos acabam lembrando os filmes de George A. Romero, ressuscitando mortos que são desde formigas a monstros que deviam estar sepultados há muitos anos.

Curioso é que os filmes de animação de Burton, que seriam amedrontadores diante das crianças de antigamente, hoje são preferidos por muitos meninos e meninas. Interessante como estes agem diante do que veem. Um garotinho que estava atrás de minha poltrona na sessão em que fui assistir ao filme, comentava as sequencias com uma impressionante propriedade. Nada de medo: a resposta era entender Burton e ir além. Um neto, Carlos Eduardo, de oito anos, achou que Sparky devia permanecer morto no final. A licença poética de Burton afirma que o amor do dono pode afastar a morte de seu animal tantas vezes quanto ele queira. E não se diga que o cãozinho acha melhor ficar no outro mundo como um Gasparzinho animal. As personagens de Burton podem ser fantasmagóricas, algumas bizarras como Edward Mãos de Tesoura, mas todas (ou quase todas) têm um “que” de afetividade. O“quase” fica por conta de Sweeney Todd, o barbeiro que joga cadáveres para umaestranha “maquilagem (O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet/2007).

“Frankenweenie” é bem interessante. E bem melhor do que os últimos filmes do seu diretor.

 

O CINEMA DE PRESTON STURGES

 

 "O Homem que se vendeu", de Preston Sturges.

Os novos cinéfilos desconhecem o cineasta Preston Sturges (1898-1959). Mas a chegada de seus filmes em DVD certamente o fará conhecido. Preston tinha uma imaginação prodigiosa revelada nas histórias que escrevia antes mesmo de tentar o cinema. Na 1ª.Guerra Mundial ele serviu como soldado. Na volta do front fez várias invenções a começar com um batom “à prova de beijo”. Sua incursão nas artes cênicas deu-se com a peça “The Guinea Pig”.Sem sucesso, tentou o cinema. A Paramount deu-lhe abrigo e foi feliz no primeiro filme que escreveu: ”The Great McGinty” (1940, “O Homem que se Vendeu”).Daí em diante chegou a escrever 44 roteiros e dirigir 13 filmes. Como os últimos começaram a fracassar nas bilheterias, acabou filmando na França o que seria seu último titulo: “As Memórias do Major Thompson” (Les Cornets du Major Thompson/1955).

A arte de Preston Sturges está sintetizada em“Contrastes Humanos” (Sullivan’s Travells/1942) onde um cineasta realista passa a viver como mendigo para filmar a vida dessa classe social. O tipo era vivido por Joel McCrea como em outros filmes que realizou. E McCrea está no titulo que chegou agora às locadoras: “Mulher de Verdade” (The Palm Beach Story/1942). Mescla da comédia visual do período mudo, com os personagens em situações embaraçosas, como um tiroteio dentro de um trem promovido por velhos caçadores que experimentam seus rifles. O filme mostrou uma Claudette Colbert hilariante, saída do êxito conseguido em “Aconteceu Naquela Noite” (It Happened One Night/1934) de Frank Capra(vencedor dos 4 principais Oscar).
Sturges também realizou o ultimo filme do comediante Harold Lloyd (um dos grandes interpretes da comédia visual dos anos 20), “Trapalhadas do Haroldo”(Mad Wednsday/1946).

Outras relíquias foram editadas agora em DVD no Brasil estando dois filmes com Gary Cooper: “As Aventuras de Marco Polo”(Marco Polo/1938) de Archie Mayo, e “Os Inconquistáveis”(Unconquered/1947) de Cecil B. De Mille. Episódios e personagens históricos moldados ao gosto das bilheterias da época.

Ainda na faixa de clássicos conta-se “Flores do Pó”(Blossoms in the Dust/EUA 1942), de Mervyn Le Roy. Uma biografia romanceada de Edna Glavey, dona de creches no Texas do inicio do século XX e responsável pela mudança ocorrida nas certidões de nascimento que antes registrava quem era “filho ilegítimo”. Greer Garson e Walter Pidgeon são os protagonistas. “Flores...” ganhou o Oscar de direção de arte e a atriz chegou a ser candidata na categoria.

De Nicholas Ray, um filme pouco visto: “A Bela do Bas-Fond”(Party Girl/1958). A veterana atriz Cyd Charisse interpreta a personagem-título e Robert Taylor, num papel diverso de tudo o que protagonizou antes, o de um advogado de gangsters. O roteiro de George Wells de uma história de Leo Katcher não apresenta muitas novidades, mas o diretor consegue um raro exemplo, na época, de “filme noir”, a cores. Há uma boa criação de ambiente e um rendimento excepcional do elenco. Vale a pena conhecer.

 

O DEUS DA CARNIFICINA

Quatro grandes intérpretes em um filme imperdível! 

Segundo Alan (Christophe Waltz), o deus da carnificina – que segundo a mitologia está sempre acompanhado de Deimos, o terror, e de Phobos, o medo – aparece junto com os deuses da discórdia ou da guerra para arrasar/desestabilizar o que está no caminho. Dessa forma, assegura-se como vai terminar a visita que o casal Alan e Nancy Cowan (Kate Winslet e Waltz) faz a Penélope e Mark Longstreet (Jodie Foster e John C. Reilly) depois que o filho do primeiro atingiu o filho do segundo casal, com um objeto que o feriu na face machucando o maxilar, numa discussão pós-aula em campo aberto.

O mito que personifica (ou deifica) a violência é a base da peça teatral de Yasmina Reza que Roman Polanski filmou ano passado sem esconder a sua origem dos palcos. “O Deus da Carnificina”(Carnage/UK, França, 2011) é uma experiência de cinema usando outra modalidade artística – o teatro – atingindo o grau a que William Wyler conseguiu chegar na realização de “Chaga de Fogo”(Dectetive Story/EUA, 1951) este extraído de uma peça de Sidney Kingsley, pelos roteiristas Philipp Yordan e Robert Wyler.

A dificuldade de o cinema em sua essência atingir sua narrativa com a câmera permanecendo em um aposento, limitando o elenco em 4 atores, paira na mobilidade e graduação dessa (ou dessas câmeras, posto que mais de uma) e do talento dos intérpretes. Roman Polanski escolheu um naipe de grande qualidade para essa sessão performática que deu conta do recado. E a sequência que determina a visita dos pais do garoto agressor ao casal que teve o filho agredido vai, gradativamente, da cordialidade que deve presidir um encontro social à brutalidade que surge quando os instintos são liberados e a hipocrisia afunda na sinceridade, estremecendo a afabilidade formalizada em gestos e palavras.

O filme inicia com um grande plano dos meninos no campo, justamente na hora da agressão. Começa e termina aí. E são as únicas cenas de fora das quatro paredes do apartamento dos pais do menino agredido. O corte, leva à chegada de Alan e Nancy, bem recebidos e até convidados para um drinque na hora em que já estavam de saída. As falas cordiais começam a mudar quando Mark afirma ter colocado para fora de casa um hamster (da família dos roedores), bichinho de estimação da filha. Nem a esposa sabia disso. Nancy revela-se de imediato protetora dos animais e repele a atitude do dono da casa com veemência. Ele não se desculpa e a esposa não se diz magoada com a surpresa de sua atitude. Começam as palavras ofensivas. Busca-se o que possa ferir cada um e em dado momento Nancy diz que “meu filho fez bem em largar a porrada no seu”. E num impulso de raiva atira as flores de um jarro que a dona do apartamento usa como enfeite em uma mesa.

A força dos diálogos consegue prender a atenção do espectador. Mas o esforço maior de Polanski é dar agilidade às tomadas, procurando os mais instigantes ângulos e usando uma iluminação que dá força às tonalidades, o que coloca, então, a cor, dentro da ação como um elemento de linguagem que inexiste no teatro.

A ideia é de que o filme foi realizado num só dia e milhares de imagens capturadas (hoje, a película pode ser substituída pela imagem digital) na corrida pelo melhor enquadramento (ora planos médios, ora closes, poucos planos-conjuntos e um único grande plano importantíssimo porque é o detonador das demais sequências). No teatro, o público veria a ação num só ângulo, sem observar as feições dos interpretes em detalhes, salvo a fala ríspida e o gestual agressivo que aos poucos está sendo vetor da situação. No cinema pode-se ver, por exemplo, Jodie Foster franzir a testa a ponto de realçar seus vasos sanguíneos. Mas essas conquistas específicas da cinematografia passam de forma a que o espectador não as perceba. Interessa dimensionar a ação. E isto é conseguido no brilhante “tour de force”. Um desafio de 80 minutos a ser visto sem falta. Filme Imperdível.

 

GONZAGÃO, O FILME (CRITICANDO A CRITICA)

Maria do Rosário Caetano (SP)

(http://almanakito.wordpress.com/

Gostei muito do filme "Gonzagão de Pai Para Filho", de Breno Silveira. Mas, para meu espanto, fora Susana Schild (O Globo), Neusa Barbosa (site Cineweb: que, me parece, gostou, mas ainda não li a crítica dela!!!-- NEUSINHA ME INFORMA QUE A CRITICA DO CINEWEB É DE AUTORIA DE LUIZ VITA!!! e que ela gostou do filme), Isabela Boscov (na Veja: gostou com algumas restrições), só vejo críticas pesadas ao filme. Inácio Araujo (na Folha) deu regular. Conversamos sobre a crítica dele, num dos corredores da Mostra SP, com breve (e educada) troca de ideias. Rubens Ewald, na Tribuna (de Santos) não gostou. Os críticos mais jovens, pelo que me contam (e por conversas que mantive com alguns deles) DETESTARAM o filme. Não tive tempo de pedir cópias destas críticas (a maioria na internet). Nem tive acesso aos jornais do Nordeste (em especial de Pernambuco), nem do Centro-Oeste, nem do Sul, nem da Amazônia.

Hoje, li uma crítica positiva (e muito bem argumentada) de José Geraldo Couto, no blog dele/Instituto Moreira Salles. A primeira crítica positiva assinada por um crítico do sexo masculino!!!!!. Afinal, Susana, Neusinha, Boscov e eu somos mulheres. Será que o filme de Breno sensibiliza mais às mulheres??? Fica a pergunta.

Tenho fama de "madre Teresa de Calcutá, ou Irmã Dulce, do cinema brasileiro". Ou seja, defensora juramentada do cinema pátrio (e do cinema latino-americano). Que seja. Gostei muito da pegada documental de "2FF". Mas não gostei de jeito nenhum de "Era Uma Vez", segundo longa de Breno. Achei os diálogos terríveis, inverossímeis... enfim, custei esperar o final da exibição. Não me entusiasmei com "À Beira do Caminho". Só tive prazer em ver o show de interpretação de João "eye ligth" Miguel e do moleque Vinícius Nascimento...

Fui ver "Gonzagão, o Filme" com imensa expectiva (Gonzagão é um dos raros "reacionários" que sempre amei!). Quando a sessão começou com aquele prólogo de imagens fragmentadas e violinos (ou rabecas??) chorosos e chantagistas, eu gelei."Dio mio" -- pensei -- "Breno desaprendeu. Foi contaminado pelo melô de Era Uma Vez e À Beira do Caminho. Mais um caso perdido no cinema brasileiro".

Foi só o prólogo acabar e lá estava o Breno Silveira de "2FF", com seus atores não-televisivos, sua pegada documental, sua capacidade de fazer bons filmes populares e de inserir seus personagens em seu tempo histórico, suas pitadas sociais, sua elegância narrativa, etc, etc. Saí satisfeita do cinema. Breno voltava à boa forma!!!.

Aí comecei a ler as críticas. E a conversar com colegas da Abraccine. Inclusive com os pernambucanos. DE FORMA ainda apressada, pois ainda não li as críticas (nordestinas, em especial, mas vou ler!!), tiro algumas conclusões (APRESSADAS, repito!):

1. Breno Silveira paga caro por ter a Globo Filmes como parceira neste projeto. E por integrar produtora badaladíssima como a Conspiração.

2. Desperta certo ressentimento no jovem cinema (e na crítica) pernambucano(s) por ter feito um filme de temática pernambucana (Gonzagão nasceu em Exu e foi eleito o personagem do século XX pelos pernambucanos), com grana do Governo (e empresas) do estado (quanto há de $ pernambucano no filme?). Ele é CARIOCA!!!!, apenas neto de avô pernambucano!!!

3. Breno trabalha no campo do melodrama, gênero desprezado (inclusive por mim, amante do distanciamento crítico brechtiano) e não nega que quer fazer cinema popular de qualidade. Ou seja, filmes que dialoguem com o grande público. Nada mais natural num cineasta (e FOTÓGRAFO, que, inclusive, fotografou documentários de Eduardo Coutinho!) que estreou com um filme que fez 5,4 milhõesssss de espectadores: "2FF").

4. Breno Silveira fez um filme APELATIVO, DESPREZIVEL???????? Não. "Gonzaga de Pai pra Filho" é um filme digno, honesto, que recria uma história arrebatadora: um filho não-biológico, que cresce no morro/favela, longe do pai famoso (ligado aos militares e à Arena: no filme, um jovem cearense pede ao jovem Gonzaga, que passara quase dez anos servindo ao Exército, que cante coisas do Norte, e não fados e assemelhados. Sabem quem seria este jovem, anos mais tarde? ARMANDO FALCÃO, o ministro da CENSURA militar, aquele que nada TINHA A DECLARAR!!). O filme trabalha com vigor e concisão o difícil relacionamento entre pai conservador e filho rebelde, sertão X favela, amor filial e bastardia, etc, etc.

5- Me dizem que o filme desconhece elipses, que é longo demais, que perde o ritmo.... O filme dura, creio, 2h05. Para mim, ele é vertiginoso. Não senti um segundo sequer de tédio. Como sou "gonzagueira" desde a infância, sei muito sobre ele. Para completar, li os livros de Dominique Drefus e de Regina Echeverria. E tive o prazer de ver muitos shows de Gonzaga e de entrevistá-lo para jornais brasilienses (como já disse, era o único reacionário que me mobilizava como ouvinte, espectadora e jornalista! Nunca entrevistei Nelson Rodrigues!!!!). Se o filme não tivesse ritmo, eu que conheço bem o assunto, me desinteressaria. Mas fiquei grudada na tela. Quando o filme acabou, eu pensei que estava ainda na segunda de três partes, que a narrativa chegaria à última paixão de Gonzaga (uma amante que o acompanhou na fase das doenças), ao enterro ÉPICO pelosss Nordestesss, a Gonzaguinha na beira do túmulo com o gibão cangaceiro do pai na mão. E à morte do próprio Gonzaguinha, menos de dois anos depois do pai, etc, etc.

6. HUMOR -- A parte da crítica que vem se entediando com o filme não deu a mínima para o fino humor da narrativa. Nem para o show de 3 ou 4 atores (dois estão iluminados: Claudio Jaborandi e João Miguel). A cena do recrutamento de Meio Quilo (o sapateiro) e Salário Mínimo (o anão), seguida do ensaio NUDISTA no riacho é deliciosa!! E a sequência do duelo de Mestre Januário e sua sanfoninha de 8 baixos X Gonzaga com sua sanfana prateada??!!!! É cinema da melhor qualidade, construído com imagens, não com diálogos (sub)literários. É filme de fotógrafo-cineasta!!!!

7. ESTERILIDADE - Parentes (e amigos) de Gonzagão não gostam de que se diga que ele era estéril (vide depoimento de Lelete, a viúva de Gonzaguinha à Folha de SP, no dia da estreia do filme!). Fui ver o filme sabendo que Gonzaguinha não era filho biológico de Gonzaga. Só que Breno e seus roteiristas me pregaram uma peça. Quando vi a rabugenta Helena barriguda, quase caí da cadeira. Mas quem engravidou esta mulher, pensei? Em segundos, Breno desconstruia a cena. Louca para engravidar, a madrasta, que detestava o bastardo Gonzaguinha, arrumou uma barriga falsa (Breno diz que isto é fato comprovado). Outro bom momento do filme.

8 - RELAÇÃO COM OS MILITARES -- Rubens Ewald Filho, de quem sou leitora fiel (em A Tribuna, de Santos) acha que o filme tem vergonha de nos emocionar. Depois de ver tanto sofrimento do filho em busca do amor do pai, ele acha que o público merecia um grande encontro dos dois artistas, felizes e cantando juntos. E mais: que a ligação de Gonzagão com a Ditadura Militar não é explorada. Na minha opinião, é: 1. na cena em que o jovem Gonzaguinha deixa o apto da Ilha do Governador (recheado de posters esquerdistas) depois de briga violenta com o pai, que o acusa de defender ideias comunistas. 2. na cena em que Gonzaga canta para militares de altas patentes, com suas muitas estrelas e dragonas.

 (Maria do Rosário Caetano é pesquisadora do cinema brasileiro e latinoamericano, crítica de cinema e com livros de cinema já publicados. Em seu blog http://almanakito.wordpress.com/ há uma crítica mais ampla sobre o filme de Breno Silveira.)

VER EM CASA

Filme noruegues premiado, "Em Casa, para o Natal" (2010) de Bent Hamer.

 

O cinema doméstico tem várias significações. O que se pretende aqui tratar é de home movies, aquele que se assiste em casa, no espaço privado. Mas interesante também entendê-lo com outros significados. Interessante o texto de Luis Nogueira (2008) “Cinema Doméstico na Era da Internet” (www.doc.ubi.pt/ Revista Digital de Cinema Documentário) sobre essa questão, mesclando esse olhar com o doméstico como imaginário na realização. O texto refere:  “Na primeira sessão cinematográfica apresentada pelos irmãos Lumière em 1895, um dos filmes mostrados não poderia ser mais emblemático da questão que aqui nos ocupa: o cinema doméstico. Trata-se da curtametragem “Le repas du bebé” e nela vemos nada mais do que um casal a alimentar o seu infante. Este episódio, absolutamente prosaico, haveria de ser repetido vezes sem conta, com pequenas variações, nos filmes caseiros que o futuro se encarregaria de produzir. A presença deste filme na sessão pública inaugural do cinematógrafo não deixa de ter, portanto, um elevado valor simbólico, ainda que de algum modo acessório: a infância era um dos temas da infância do cinema. Este efeito de espelho é tão mais interessante quanto remete para a questão (...): como se constituiu o doméstico enquanto tema artístico e, para o que aqui nos interessa, cinematográfico, ou seja, como ocorreu o nascimento deste imaginário?”

Mas vou me ater à exibição e não a realização. Um dos aspectos iniciais da projeção privada se dá em películas em 16mm, bitola criada no período da 2ª.Guerra Mundial para, entre outros, levar esta arte & diversão aos soldados aliados no front. Com a chegada do vídeo, primeiramente o VHS, esta forma de ver filmes intensificou-se. E com o DVD ganhou maior impulso. Hoje há a facilidade de serem vistas as produções lançadas nos cinemas comerciais na tecnologia 3D. Com isso, o cinéfilo ganha o respaldo de observar as obras em seu original, longe da dublagem que falseia os tipos através de vozes que não correspondem a eles (e está se tornando rotina)

Na coluna da semana passada mencionei os títulos de uma nova distribuidora de DVD que está lançando filmes antigos, especialmente de Hollywood. O problema dessa empresa é manter o logotipo “clássico” nas imagens projetadas, supondo-se uma cópia de TV. Em um dos filmes dessa empresa, por sinal, surgiu o logotipo do canal TCM. Uma afronta.

Mas na área dos clássicos, o melhor está mesmo com as distribuidoras veteranas como a Versátil, Classline (esta cearense), Cult-Classic e Paragon (há outras, mas com menos títulos). A Versátil esta lançando um estojo chamado “Hollywood Contra Hitler”. Traz 6 filmes, de 1939 a 1943, realizados por cineastas de peso. Há, pelo menos, 3 obras impecáveis: “Tempestades D’Alma”(The Mortal Storm/1940) de Frank Bozarge, “Horas de Tormenta”(Watch on the Rhine/1943) de Herman Schumin, e “A Sétima Cruz”(The Seventh Cross/1944)de Fred Zinnemann. Oportunamente tratarei deles.

Esta semana assisti alguns. Repasso: “O Sorgo Vermelho”(Hon Gao Liang/China, 1987) é um filme de Zhang Yimou, um dos mais prestigiados cineastas chineses (dele “Lanternas Vermelhas”). Em foco, um episódio histórico sobre camponeses chineses que assistem o cenário de suas vidas ser maculado pela investida do exército japonês. A narração oral focaliza My (Gong Li), jovem guinada pela família a casar-se com um homem rico, leproso e no caminho do encontro com ele é violentada. Engravida, volta para o seu ponto de origem e sofre as perseguições de bandoleiros e dos soldados nipônicos. Produção competente e fotografia explorando eficientemente o drama narrado, perdoando-se os estereótipos, mantendo o interesse do espectador. O filme ganhou 7 prêmios internacionais inclusive do Festival de Berlim.

“Em Casa Para o Natal”(Hjem til jul/2010), um raro filme norueguês premiado em festival europeu, abordando varias historias, a lembrar Robert Altman. Pessoas esperam o Natal de diversas maneiras, desde garotos que dizem não festejar a data (um muçulmano, outro incrédulo) a um médico que na noite de Natal é obrigado a atender uma parturiente e se sensibiliza sabendo que o casal fugiu da guerra na Bósnia. Há o aparente mendigo, expulso do trem, sendo reconhecido por uma mulher, e há o homem solitário que busca amigos. Todos os quadros são tratados com visível preocupação de ressaltar o aspecto sentimental do enredo, sempre revelando o cuidado artesanal do diretor Bent Hamer (de “Caro sr. Horton), também autor do roteiro. Imperdível.

DE BETTE DAVIS A KORE-EDA

Luzia Miranda Álvares

luziamiranda@gmail.com

É de supor um festival Bette Davis pela coincidência do lançamento em DVD, no mercado brasileiro, de vários filmes interpretados pela famosa atriz. Anotei: “Tudo Isto e o Céu Também”(All This and Heaven Too/1941), “Nascida Para o Mal” (In This Our Life/1942), “A Grande Mentira”(The Great Lie/1942),”Horas de Tormenta” (Watch on the Rhine/1943), em relançamento, “Meu Reino por um Amor” (The Private Live of Elizabeth and Essex/1939).

“Tudo Isto e o Céu Também” foi realizado pelo veterano diretor Anatole Litvak (1902-1974). Mostra Bette Davis como governanta dos filhos de um nobre (Charles Boyer), na Paris do século XIX. Esboça-se um romance dela com o patrão e a esposa deste (Barbara O’Neil) provoca uma crise de ciúmes que leva ao crime.

“Nascida Para o Mal” é o segundo filme de longa metragem dirigido por John Huston. Bem diferente do que ele fez (“O Segredo das Joias”, 1950) e faria depois. Bette protagoniza uma jovem sem escrúpulos e de atitudes egoistas e planejadas e entre estas conquista e foge com o noivo da irmã (Olivia de Havilland), casa-se com ele, não dá certo e volta a perseguir outro personagem que a ama (George Brent). A tensão está entre um suiiciidio e um acidente de carr sendo ela a responsável.

 “A Grande Mentira” é quase surreal. Bette assume o filho da amante (Mary Astor) do marido (George Brent), um piloto que desaparece na Amazônia. Ao reaparecer ele se acha entre a mãe biológica da criança e a cuidadora, mas aquela quer o filho de volta. Situações constrangeras se evidenciam. Direção de Edmund Goulding.

“Horas de Tormenta” figura entre os filmes ambientados na 2ª. Guerra Mundial lançados no pacote “Hollywood Contra Hitler”. Bette protagoniza uma mulher casada com um alemão (Paul Lukas) que chefia a resistência contra o nascente regime nazista. Nos EUA, procurando a casa da mãe dela, nasce um clima de angustia quando um amigo da família denuncia o alemão que já é “persona non grata” de Hitler. Direção de Herman Shumlin.

“Meu Reino por um Amor” trata do romance que teria existido entre a rainha inglesa Elizabeth I e o Conde de Essex (Errol Flynn). A direção é de Michael Curtiz (de “Casablanca”, 1942) e o filme é narrado em uma superprodução da Warner, em tecnicolor, lançado na época dos grandes cartazes de Hollywood como “...E O Vento Levou”.

Afora os filmes com Bette Davis, todos de um tempo em que a atriz emergia como um talento versátil, interpretando variados papéis de vilã e de heroína, há muitas novidades em DVD. Além do que foi exibido recentemente nos cinemas com “Prometheus” (há cópia em Blu Ray), “A Era do Gelo 4” (cópias também em Blu Ray 3D), “Sombras da Noite” e “Battleship”, há o mais recente filme de Roman Polanski, “Deus da Carnificina”(Carnage/França,2011), versão de uma peça teatral que se constitui num desafio de criar a narrativa cinematográfica para um só espaço (uma sala). Há também “Perseguição Implacável”(The Expatriate/EUA 2012), thirller competente com Aaron Eckhart interpretando um agente da CIA que ao tentar se aproximar da filha adolescente depois de se divorciar da mãe, descobre que suas ações e seu trabalho haviam desaparecido sem deixar rastros. Há perseguição entre agentes seus colegas e inimigos. Direção de Philipp Stölz.

Mas a recomendação insistente é para o novo filme de Hirokazu Kore-eda, o diretor de “Depois da Vida” (“Wandafuru raifu”, 1998): “O Que eu Mais Desejo”(Kisek/Japão, 2011). Trata de crianças. Irmãos separados como os pais, um vivendo com o pai o outro com a mãe, se encontram quando um deles planeja uma viagem para ver a passagem do trem bala. É uma forma de fazer pedido como quem solicita uma graça. Intérpretes competentes, o filme expõe um clima poético, sedutor, atual e com explosão de comoção diante dos desejos e da esperança de crianças que só querem viver suas vidas. Uma obra-prima.