TERAPIA DE CASAL

Tommy Lee Jones  e Meryl Streep em "Um Divã para Dois"

David Frankel, o diretor de “O Diabo Veste Prada”(2006), volta a convidar Meryl Streep para protagonizar a comédia romântica temperada de dramaticidade, intitulada “Um Divã Para Dois” (Hope Springs/EUA,2012).

O protagonismo de Meryl, na figura de Kay, envolve-a no modelo de uma típica dona de casa da classe média norte-americana que se deixou acomodar com a passividade do marido Arnold, interpretado por Tommy Lee Jones. Há anos ele não chega a tocar nela. Quando volta do trabalho ou se dedica a ler jornal ou assistir partidas de golfe na TV. Dorme em quarto individual e serve-se do cardápio padrão que ela prepara e de forma silábica contorna o silêncio e um gestual artificial, por suposto, habitual, que não deixa dúvidas de um escape daquela relação. Isso incomoda a esposa que certa vez tem conhecimento, através da internet, de sessões de terapia de casal promovidas por um terapeuta Feld (Steve Carrel), em outra cidade. Ela resolve investir suas economias nesse curso. Mas terá que convencer o marido da importância do evento. Ele reluta em aceitar, porém, em uma conversa com um colega divorciado este demonstra seu arrependimento em não ter se aproximado mais da esposa. É esse fato que muda a atitude hostil e quase agressiva do marido na insistência da esposa. Iniciada a terapia a dois, eles são expostos a perguntas aparentemente banais, da vida cotidiana, mas indiscretas, feitas pelo especialista. São obrigados a falar da vida íntima, inclusive do sexo praticado, sendo submetidos a uma programação como forma de estimular a libido, para eles muito difícil de quebrar o gelo estabelecido, mas num tom que esvazia a indiferença que se instalara na relação de 30 anos. A simplificação do “dever de casa” na cama se estabelece desde um toque epidérmico para sentirem o desejo adormecido, mas esta sequencia gera humor para o grande púbico (pelo menos ouvi risadas na sessão de cinema).

Os atores são bons e estão à vontade nos papéis. É só constatar nos finais, quando ao lado dos créditos, surge uma espécie de renovação dos votos matrimoniais e todos vão à praia, descontraídos. Lembrei-me de Melina Mercouri em “Nunca aos Domingos” de Jules Dassin quando filosofava de que tudo devia terminar na praia se fosse para terminar bem.

O filme de Frankel não é uma analise de comportamentos como o tema poderia gerar se a direção pugnasse por um sentido autoral (e o produto fosse o que se chama de “filme de arte”). Como o propósito é divertir, a fórmula funciona a partir do elenco. Nas longas sequências de analise comportamental o que se vê são simples campo-e-contra-campo quase sempre em planos médios, aproximando a câmera no close só quando se espera uma resposta emotiva capaz de gerar comédia por parte de uma personagem. Mas até aí o controle é superficial. E o público que normalmente vai ao cinema e é fã dos atores em cena gosta que seja assim. O que importa é que se saiba que um casal que goza de bens materiais e já conta com mais de 30 anos de casados pode sofrer desgastes que, se esmiuçados, levam a uma conscientização capaz de ou melhorar suas vidas ou simplesmente romper com a união. Nesse ponto, aliás, “Um Divã Para Dois” é uma apologia do tratamento especifico de terapeutas de casais em crise. Nos meios populosos isto parece comum. O filme mostra a quem não conhece perfeitamente esse tipo de ajuda psicológica como se faz o processo. E surpreende quando impregna certa seriedade no contexto, a começar com o desempenho do psicólogo, um comportamento anômalo do ator de comédias ligeiras, Steve Carrel, visto em exemplares como “Amor à Toda Prova” ou “O Virgem de 40 Anos”.

Embora nesse tom de repassar uma relação de casamento aonde o casal chegou a um momento em que é indiferente entre si e, para continuar casado, “se atura”, o tema interessa ao debate. Mostra, por exemplo, que não é só o homem o responsável pelo seccionamento da relação, mas há fatores inscritos na rotina feminina que afastam o parceiro e depois de um tempo ambos convivem naturalmente num marasmo caótico.

Divertido sempre, “Hope Springs”(que se poderia traduzir como “Esperada Primavera”) é uma comédia boa de assistir longe das pornochanchadas atuais vindas de muitos países (até o nosso) sobre o assunto.

 

OS GRAUS DA VIDA EM MOVIMENTO

Anthony Hopkins um tos atores de "360" filme de Fernando Meirelles.

Em 1950, o diretor alemão radicado na França, Max Ophuls (“Carta de uma Desconhecida”, 1948 etc.), dirigiu “La Ronde” (“Conflitos de Amor”), com base em uma peça homônima (de 1857) do escritor austríaco Arthur Schnitzler. Em 97 minutos, eram contadas várias histórias sobre casos amorosos na vivência interligada de personagens do início do século. A montagem da narrativa se acerca de um carrossel, sendo movido por um narrador ou corifeu que manobrava o objeto mostrando os pares em ação, interrompendo e comentando os romances conforme sua própria escolha. Construiam-se, então, vários episódios conectados entre sí a partir das sequências desenroladas das histórias. O corifeu era o ator Anton Walbrook e o elenco all star revelava-se grandioso concorrendo Danielle Darrieux, Simone Signoret, Serge Reggiani Gérad Philipe entre tantos outros. O filme recebeu o BAFTA de melhor filme em 1952. É considerado um clássico.

Com base na mesma história, o brasileiro Fernando Meirelles dirigiu “360” (Brasil, Austria, UK, França, 2012) onde aproxima, contemporaneamente, os episódios, dividindo a narrativa em nove histórias vividas por onze pessoas comuns que em determinado momento definem suas próprias vidas, sendo captadas entre quatro países e seis linguas faladas. São histórias transversalizadas com protagonismo integrado de todos, sem fixação em um só personagem, mesmo que se tenha na conta nomes de atores como o de Jude Law, Anthony Hopkins, Rachel Weisz, os mais conhecidos, além dos brasileiros Maria Flor e Juliano Cazarré.

Inicia-se sem a roda gigante, mas em um episódio marcante que é a decisão de uma jovem em busca de uma profissão, no caso, usando seus pendores de beleza para chamar clientes sobre esses dotes, transformando-se em prostituta chamada Blanka, expondo-se em um site na internet, contando com um “cafetão” que extrai o dinheiro das vítimas. Nesse quadro, um tipo profissional se desloca do século XIX para os dias atuais, como se vê, e se entrelaça no cotidiano urbano e internacional. Mostram-se então: traições em perspectiva (Jude Law é o primeiro contratante da prostituta, apesar de jurar amor eterno à esposa); traições em processo (a esposa de Law, Raquel Weisz, transando com o brasileiro Cazarré, o Rui); expectativas de fidelidade (Maria Flor ou Laura, desencantada com o noivo Rui com quem viera para Londres e descobrindo que o mesmo estava traindo-a); buscas de mudanças (Hopkins a procura da filha que se indispôs com ele e há mais de 20 anos desaparecera; Maria Flor que retorna ao Brasil e se encontra, no avião, com Hopkins, e com um condenado por estupro, Tyler, que tenta se redimir); redefinição de posições sociais (o motorista russo que se cansa de ser chamado de cachorro, pelo patrão, e a irmã de Blanka que também vê, na encruzilhada entre a espera da irmã e o convite de fuga do russo, uma nova vida); e, ainda, o desencanto com o amor ( Valentina, esposa do motorista russo - mais fiel ao chefe do que a ela, ama o patrão mulçumano que a descarta por seus principios religiosos); recomeços (Valentina se apresenta no endereço do fotógrafo para uma pose sensual em vista da nova profissão a assumir, a de Blanka, que se vê rica de repente saindo de cena).

Disseram que “360” tratava sobre traições amorosas, mas, embora transversalizando alguns casos desses, o que se vê como proposta de Fernando Meirelles e seu roteirista de outros filmes, Peter Morgan , é o olhar sobre a vida cotidiana atual que se desloca de um lado a outro compondo episódios que se tornam, muitas vezes, mudanças das trajetórias dos personagens. Mas não deixam de ser ficções. Este vai-e-vem no tempo e no espaço define o nome do filme: 360 graus, ou a volta completa em torno de alguma coisa, no caso, do amor.

O diretor de fotografia Adriano Goldman, nos dá excelente exposição de imagens e o montador, Daniel Rezende, tem um trabalho exemplar na criação das sensações e circunstâncias que promovem as ações humanas. No final, o espectador conserva o resultado de situações que passaram num tempo e em vários espaços, onde sempre ocorrem: momentos de encantamento da vida. Ruins ou bons são peças de decisões das pessoas. Meirelles é um senhor diretor. Palmas pra ele.

CINEMA DE GUERRA

"As Duas Faces da Lei", com Robert Mitchum, entre os filmes de guerra.

 

A segunda guerra mundial gerou inúmeros filmes. Alguns foram realizados quando o conflito começava, ou quando finalizara. Dois exemplares que chegaram semana passada às locadoras de vídeo exemplificam as épocas: “O Homem que quis matar Hitler” e “As Duas Faces da Lei”.

O primeiro, no original “Man Hunt” é de 1941 e dirigido por Fritz Lang (105 min.). Quando foi filmado, os EUA ainda não tinham entrado na guerra. O ator Walter Pidgeon protagoniza um norte-americano na Alemanha que resolve encenar um tiro contra o ditador alemão quando caçava nas proximidades do local onde este conferenciava com seus oficiais. No último minuto resolve atirar, mas a arma falha, ele é preso, e daí em diante inicia-se uma ciranda de problemas em sua vida. Principia quando uma autoridade alemã (George Sanders) quer que o prisionero inglês assine um documento dizendo que desejou matar o Chefe de Estado alemão e pedia a interferência da Inglaterra. Esse é um motivo para a guerra. O personagem não assina e passa a ser perseguido. Bom ritmo e ficção que estimulava o anti-nazismo, escrito por Geoffrey Household, com roteiro de Duddley Nichols.

“As Duas Faces da Lei”(Man in the Middle/EUA 1963) é ambientado no penúltimo ano da guerra (1944). O enredo trata de um episódio ocorrido em um acampamento inglês quando um tenente atira e mata um soldado na enfermaria local. Os norte-americanos abrem um processo para provar aos aliados ingleses que agem com justiça. E para defender o tenente, os militares solicitam ao comando americano um coronel advogado que está de licença do exército por ferimento em combate. Uma causa praticamente perdida, uma vez que há 11 testemunhos confiáveis mas que a defesa vai ter de rever investigando os fatos. A direção é do britânico Guy Hamilton, com atores de Hollywood e de Londres: Robert Mitchum, Keenan Wynn, Barry Sullivan, Alexander Knox e Trevor Howard e a francesa France Nuyen (de descencencia vietnamita). Boa narrativa embora usando estereótipos.

O diretor e ator Pietro Germi (1914-1974) apresentou dramas densos como “O Caminho da Esperança” (1950) e “O Ferroviário”(1956). Mas foi na comédia que deixou gratas lembranças: “Divorcio à Italiana” (1961), “Seduzida e Abandonada” (1962), ”Confusões à Italiana”(1966), ”Alfredo, Alfredo”(1972) e o que deixou incompleto “Meus Caros Amigos (1974) terminado por Mario Monicelli. “Seduzida e Abandonada” chega ao DVD no Brasil (em seguida a “Divórcio à Italiana”). No texto, o tema é a gravidez de Agnese (Stefania Sandrelli), atraída por Peppino (Aldo Puglisi), o noivo de uma de suas irmãs. Quando o patriarca Vicenzo Ascalnone (Saro Urzi, excelente) sabe do fato, procura escondê-lo da população da aldeia siciliana onde mora e segurar Peppino. Na verdade, ele convoca o filho Antonio (Lando Buzanca, que faria várias comédias depois disso) para assassinar o sedutor. Surgem complicações hilárias que retratam os costumes do lugar, evocando personagens de comportamento puritano. O filme continua com o vigor de sua estréia e os interpretes fazem a festa do humor. Importante comédia de costumes que não só explora a situação nas aldeias italianas mas desloca-se também para as representações sobre as relações amorosas principalmente latinas.

Em “A Solidão de uma Corrida sem Fim” (The Loneliness of the long Distance Runner/UK,1962), o ator Tom Courtney, famoso por sua interpretação em “O Fiel Camareiro”, estreia como o detento com grande capacidade física que um agente prisional (Michael Redgrave) treina para representar a Inglaterra nas Olimpíadas, mas que não consegue desenvolver a sua capacidade por conta das mágoas retidas numa vida cheia de problemas. Entre o êxito nos esportes e a marca idelógica, o quase vencedor desenvolve sua indignação.

O diretor Tony Richardson(1928-1991) ganhou Oscar com “Tom Jones”(1963). Neste filme de inicio de carreira mostrou uma habilidade fascinante, com a felicidade de torná-lo simpático até hoje, muito tempo depois da época da ação.

 

PELA ESTRADA AFORA

João Miguel e Vinícicius Nascimento em "À Beira do Caminho", de Breno Silveira.

Há cineastas, críticos e espectadores que veem com maus olhos (mas veem) o melodrama. No entanto, é bom salientar, que o gênero é latino por excelência. Somos ligados a um sentimentalismo que nos acompanha de berço em diversas formas de representação artística (música, literatura, teatro, cinema). Em minhas pesquisas observei que em um dado tempo, os filmes mexicanos, quase todos melodramáticos, dominavam o mercado exibidor brasileiro e as plateias já sabiam que os boleros que chegavam, no original, ou em versões nacionais, iriam ter o seu drama nas telas. É significativo “Pecadora”(1948), enorme sucesso comercial, seguindo-se “Palavras de Mulher” (1949), “Hipocrita”(1952) etc. Eu já era “cinemeira” e vi melodramas italianos tipo “Filhos de Ninguém”(1951) e, franceses, como “Amar-te é o Meu Destino”(1952). E a veia latina chegou a atingir a própria Hollywood, com roteiros baseados em livros do gênero (“Stella Dallas” e “Imitação da Vida” são bem característicos).

A maioria dos melodramas filmados fez sucesso nas bilheterias. Mas os críticos, de um modo geral, condenaram os filmes por serem assim, não simplesmente por serem mal feitos. Hoje no Brasil a tradição esvai-se na onda das comédias ditas eróticas como antes era nos musicais carnavalescos. Mesmo assim, tivemos o nosso ciclo de melodramas que em pelo menos um caso me emocionou de verdade: “Em Família”(1970), de Paulo Porto, com base numa peça de Helen e Norah Leary adaptada por Oduvaldo Vianna Filho. A peça havia baseado o filme de Leo McCarey, “A Cruz dos Anos” (Make Way for Tomorrox/1936).

“À Beira do Caminho”(Brasil/2012) é um melodrama nacional deste ano. O diretor Breno Silveira, autor de “Os 2 Filhos de Francisco”(2005) e “Era Uma Vez”(2006) , não é de se “envergonhar” em dizer que faz cinema emotivo. E com um roteiro de Patrícia Andrade, a mesma dos dois filmes citados, conta o drama de um caminhoneiro (o excelente João Miguel) que percorre as estradas do nordeste ao sudeste carregando mercadorias diversas. Em um momento, no Ceará, encontra escondido em seu veiculo um garoto (Vinicius Nascimento, extremamente convincente), órfão de mãe, que busca o pai em S. Paulo, jamais o conhecendo, pois, este abandonou a mulher quando grávida. João, o motorista, reluta em dar carona ao menino, Mas o pedido é insistente e leva-o a aceitar a tarefa, primeiro à uma escala, depois, por ver que uma vez em liberdade o garoto se dispunha a seguir a marginalidade necessária para a sua sobrevivência, sendo melhor levá-lo para o destino sugerido.

O “road movie” exime-se de ser turístico. A paisagem captada pela câmera,  na beira da estrada, é apenas um elemento natural do caminho. Interessa a viagem em si, pois ela é a metáfora da vida do principal personagem. Quem vê o filme não sabe o motivo de sua “cara amarrada”, de sua fala silábica, da razão de “flash-backs” que passam rápido pela narrativa, só gradativamente chegados a uma composição dentro do enredo. Sabe que o homem é fã das musicas de Roberto Carlos. E o filme é apoiado numa dessas musicas. Pena é que o cantor & compositor não tenha liberado a canção-tema, ou a que dá titulo ao trabalho de Bruno. Mesmo assim, composições como “A Distancia”, ”o Portão”, “Amigo” e “Você Foi” fazem a vez.

Sentimental a ponto de fugir do realismo (há muitas coincidências no trecho final) “À Beira do Caminho” é um caminho, sim, para o cinema brasileiro de hoje. Já chega do humorismo chulo. Certo que o tipo de comédia dá dinheiro (“E Aí, Comeu ?” passou de um milhão de espectadores). Mas “2 Filhos de Francisco” também fez sucesso. Se  pelos cantores Zezé di Camargo e Luciano, este novo pode se amparar em Roberto Carlos. Afinal, nada mais próprio para alcançar os sentimentos dos espectadores do que a música. E num “filme de estrada” ela é o caminho.

Podem achar que é pieguice, mas emociona.

MARILYN E LOLA

Miley Cyrus e Demi Moore em "Lola"

Marilyn Monroe já havia atuado em 21 filmes quando foi convidada e participar de “Torrentes de Paixão”(Niagara), em 1951. Nos filmes anteriores havia desempenhado papel de coadjuvante sendo que em três – “Sua Alteza e a Secretária”(1947), “You Were Meant for Me”(1948) e “Torrentes do Ódio”(1948) – nem teve seu nome nos créditos. Foi mesmo em “Niagara”, filme da Fox ,produzido por Charles Brackett de um roteiro dele, com direção de Henry Hathaway que ela ganhou evidência e o tipo sensual que venderia para o mercado cinematográfico daí em diante.

A importância histórica do filme é maior do que a sua qualidade artística. Mas se não é o que se podia esperar do roteirista Brackett de “”Ninotichka”(1939), “5 Covas no Egito”(1943), Crepúsculo dos Deuses” (1950) e tantos outros clássicos, tampouco diminui as qualidades de Henry Hathaway, um dos mais capazes artesões de Hollywood e responsável pela fotografia de “Paixão dos Fortes” (My Darling Clementine, EUA, 1946) e “Pânico nas Ruas”(Panic in the Streets, EUA, 1950).

A trama de “Niagara” é simples: um casal em lua de mel procura a catarata do Niagara, uma das mais famosas do mundo. Lá ele encontra outro casal que estava ocupando a barraca que lhes tinha sido destinada. A mulher, no caso (Marilyn Monroe) trai o marido (Joseph Cotten) com um funcionário da estação que controla o acesso às imediações da catarata. Em dado momento registra-se o aparecimento de um cadáver nas águas. A mulher vai ao IML reconhecer o corpo, pois o marido havia desaparecido. Desmaia. Não é ele, e seu marido começa, então, uma missão de vingança que vai atingir, de alguma forma, os jovens vizinhos.

Henry Hathaway era um dos melhores artesões de Hollywood, conhecido por alguns críticos como “o mestre do semidocumentário”. E seu filme que revelou MM é digno de um Hitchcock, quer na trama, quer na construção da narrativa. Um suspense dos bons que hoje reabre o Cineclube Pedro Veriano (Casa da Linguagem) às 18 h. Uma homenagem a Marilyn e a um tipo de cinema.

LOLA

Há vários filmes com o nome de “Lola”. Agora mesmo circula em DVD uma produção filipina que trata da história de duas avós reivindicando queixas: uma pelo assassinato de seu neto e outra pela absolvição desse assassino, no caso, o neto que ela possui. As duas chamam-se Lola.  Outra Lola é a de Fassbinder (1981) e há uma de Jacques Demi (1961), uma de Brillante Mendoza (2009), uma de Bigas Luna (1986), e até uma produção de 1914, assinada por Henry Otto. A que está nos cinemas é de 2012, produção norte-americana e replay de uma francesa cujo título era “Rindo à Toa”(2008) da mesma diretora-roteirista, Lisa Azuelos com a parceria de Kamir Aïnouz. Uma cópia desta esteve circulando em DVD.

O roteiro da “Lola” atual (Lol, EUA, 2012) aborda jovens colegiais da classe média americana contemporânea. A garota do titulo se desentende com o namorado e percebe que o melhor amigo tem mais alguma coisa que só então ela observa. Entre esses estremecimentos amorosos há o problema da mãe dela (Demi Moore), divorciada, fazendo sexo com o marido escondido dos filhos, mas com um namorado em vista. Mesmo com sua vida meio atrapalhada tanto amorosa quanto profissional, ela está atenta aos cuidados com a filha que deseja independência.

Colegas, drogas, liberdade sexual, “ficantes” tudo é tratado na superfície. “Lola” foi realizado objetivando maiores platéias do que o filme original francês, lançado há 4 anos e filmado na terra da cineasta (aliás, ela é filha da atriz Marie Laforet que os cinéfilos atuais pouco conhecem). Quem assistiu aos dois trabalhos vota fácil no primeiro (não assisti), dizem as notícias. O certo é que a Lola americana é apenas uma boa oportunidade para o desempenho da bonita Miley Cyrus, de 19 anos (fará 20 em novembro), vista em “A Última Musica” (EUA, 2010). Ela se mostra bem à vontade num papel que não lhe deve ter parecido difícil. O tema é sempre interessante, mas o fecho é típico das comédias românticas com “happy end” em muitas frentes. Tudo para quem for ao cinema sair “nas nuvens”. E ainda bem que condena as drogas....

FILMES DE HITCHCOCK EM DVD

Sir Alfred Hitchcock em uma de suas aparições nos filmes.

Na data de hoje Sir Alfred Joseph Hitchcock ou simplesmente Alfred Hitchcock nascia em Londres, precisamente no ano de 1899. Poucos diretores de cinema ganharam a preferência do público a ponto de inserirem seus nomes nas marquises e nos anúncios dos filmes. Mesmo em países de idiomas diferentes do inglês, o nome passou a ser pronunciado. E, diga-se de passagem, não era tão fácil para quem, no caso brasileiro, chamava Tirone Povér ou Ava Gardinér para lembrar a marcha carnavalesca de uns quarenta anos atrás.

Depois de realizar “The Lodger”(1926) em sua terra natal, Hitchcock passou a ser conhecido como um especialista de filmes de suspense. E como sabia usar a linguagem cinematográfica para esse fim, logo foi reconhecido como o mestre do gênero. Aliás, suspense é um termo polissêmico, havendo inúmeras definições que aderem à psicologia do sentir, mas, na obra literária, era visto como um gênero menor. Aristóteles, em seu livro “Poética”, diz que suspense é uma construção literária importante. Em termos de filmes, a preocupação maior é o sentido provocador de uma reação na expectativa de ocorrências variadas, desde algum acontecimento ruim ou ao processo de reconhecer através de sucessivos eventos uma dada realidade seja em torno de pessoas ou de fatos.

Hitchcock fez cerca de 30 filmes em Londres. Em 1940, quando “...E O Vento Levou” estreava com sucesso nos EUA, o produtor (e autor, pois controlou todos os setores da produção) David O.Selznick, comprou os direitos do romance “Rebecca” de Daphne du Maurier, convidando o jovem inglês Alfred para dirigi-lo em Hollywood. O filme, interpretado por Laurence Olivier e Joan Fontaine, venceu o Oscar e foi um grande sucesso de bilheteria. Mas o diretor foi ignorado pela Academia de Artes e Ciências de Hollywood. Não só neste caso, mas sempre. Logo a seguir, “Suspeita”, outro filme que ele realizou para Selznick deu o prêmio a Joan Fontaine e Hitchcock só fez comparecer à entrega do troféu.

Nos EUA o cineasta realizou cerca de 40 filmes de longa metragem para cinema e muitos para a TV criando dois programas muito vistos: “Alfred Hitchcock Presents”(1955/61) e “Alfred Hitchcock Hour”(1962)

Quando os filmes passaram a ser gravados e a época era da nova técnica, o VHS, os títulos do mestre inglês começaram a aparecer em diversos países, inclusive o nosso. Com a chegada do DVD também foi surgindo a produção inglesa. Hoje, poucos títulos permanecem inéditos. E todos da primeira fase, ou seja, dos que foram realizados nos estúdios britânicos.

Para quem quer rever Hitchcock nesta época de seu aniversário há um grupo de filmes imprescindíveis. Não é só pelo fato de seu “Um Corpo que Cai” ter sido saudado, agora, por uma publicação de sua terra, a revista “Sigth & Sound”, como o melhor de todos os tempos. Há clássicos legítimos que merecem (e sempre) a atenção do cinéfilo. Hoje menciono alguns que me parecem excelentes.

Da fase inglesa menciono: “A Mulher do Fazendeiro” (The Farmer’s Wife/1928), ”Chantagem e Confissão” (Blackmail/1929), ”Assassinato’(Murder!/1930), ”O Homem Que Sabia Demais”(The Man Who Knew too Much/1934), ”Os 39 Degraus”(The 39 Steps/1935), “Agente Secreto”(Secret Agent/1936), ”O Marido Era o Culpado”(Sabotage/1936) e ”A Dama Oculta”(The lady Vanish/1938).Todos podem ser encontrados em locadoras de vídeo.

Da fase norte-americana já é possivel escolher todos os filmes de longa metragem, até a comédia “Um Casal do Barulho” (Mr and Mrs Smith/1941), com a atriz Carole Lombard, grande amiga do diretor.

Recomenda-se, especialmente: “Rebecca, a Mulher inesquecível”(Rebecca/1940), investigação sobre a morte de uma mulher cuja memória é cultuada na mansão onde morou e desafia a conduta do marido que se casa de novo. Joan Fontaine foi candidata ao Oscar, mas a Academia deixou-a em pausa para receber no ano seguinte por “Suspeita”(Suspicion), este um dos melhores filmes do mestre Hitchcock, segundo uma história de Anthony Berkeley chamada “Before the fact”. Cary Grant protagoniza o marido enigmático que pode ser um assassino. A suspeita devotada ao personagem não termina com o filme. Mas o final foi criação do produtor (Selznick). Mesmo assim marcante.

Da fase americana há: “A Sombra de uma Duvida”(1943), “Pacto Sinistro”(1951)“A Tortura do Silencio”(1953), ”Disque M Para Matar”(1954), ”A Janela Indiscreta”(1954), ”Um Corpo que Cai”(1958),”Psicose”(1960), “Os Pássaros”(1963) e “Frenesi”(1972).

MUITO AMOR PELO CINEMA

Imagem do "filme de cabeceira" de Pedro Veriano: "A Felicidade não se Compra"

Quando uma pessoa aniversaria há sempre as tradicionais louvações. Dos amigos, da familia, dos conhecidos, enfim, de todos os que realmente a consideram. A imortalidade dessa pessoa tem nesse grupo o apoio para a memória do afeto e da presença dela no mundo. Mas há as especiais, aquelas que além desse invólucro afetivo são reconhecidas pelas suas ações externas em uma dada especialidade. São vários os campos onde podemos marcar nossa presença social e estes campos geralmente passam pelo privilegiamento a uma área específica.

O título deste texto faz alusão a um querido paraense que hoje(9/08) aniversaria: Pedro Veriano. Conhecido na mídia impressa por representar a crítica de cinema no Pará há mais de 50 anos, incorporou a esse título o de pesquisador da história dessa arte em nosso estado, numa época em que tratar de cinema ainda não era uma função acadêmica como hoje, mas, para algumas pessoas, uma causa de lazer para quem tinha tempo e/ou então, um evento para intelectuais que assumiam uma dimensão pioneira de divulgadores da estética cinematográfica que pouco chegava aos meios populares, salvo nas exibições comerciais comandadas pelo mercado exibidor que só explorava um tipo de filme.

Conheci o jovem Pedro quando ele tinha 20 anos e ansiava em assistir a todos os filmes lançados nos cinemas da cidade e, não satisfeito com isso, já trazia desde a infância essa loucura pelos programas que não circulavam regularmente nas salas comerciais, adquirindo um projetor em 16mm para exibições em sua casa (e uma filmadora). Sua biblioteca já povoada de livros sobre o estudo da linguagem do cinema convivia com os compêndios de medicina, o curso profissional que o preparava para a vida social, entendendo-se que para muitos “o cinema não levava a nada” como disse certa vez uma pessoa de sua família (“O Pedrito não vai ser nada, só gosta de assistir filmes...”).

A história singular desse tempo transferiu-se para evento público quando Pedro Veriano se aproximou dos cinéfilos da época – Orlando Teixeira da Costa, Francisco Paulo Mendes, Benedito e Maria Sylvia Nunes – fundadores do Cine Clube “Os Espectadores”, que representavam os formadores culturais daquele momento, conseguindo recursos para alugar filmes fora do circuito comercial, em distribuidoras do Rio e São Paulo e nas embaixadas, procurando debater com o público os clássicos do cinema.

Foi esse o Pedro Veriano que conheci aos 16 anos. Se a medicina precisava ser o apoio profissional para que ele pudesse pensar em casamento (aquele era o tempo da expectativa do homem provedor), sua paixão pelo cinema fazia parte intrínseca de sua vida, impossivel dissociá-los. Das salas de aula da Faculdade de Medicina aos espaços de exibição de filmes era um passo. Além, é claro, de incentivar seu próprio cinema particular, o Bandeirante, que funcionava na garagem de sua casa e exibia tanto filmes clássicos como qualquer outra produção disponivel para aluguel nas empresas que alimentavam na cidade esses cineminhas em 16 mm. A.F.Aguiar, Caeté Ferreira, Paramazon eram os locais, embora essa paixão o aproximasse de outros distribuidores do nordeste e do sul, como a Warner, Fox, Embrafilme, Columbia etc.

A criação do Cine Clube APCC aproximou-o do público espectador do tipo cinéfilo, agora não mais restrito a poucos nomes, mas aqueles que procuravam os espaços do tipo cinemateca para usufruir tanto a exibição quando os debates que eram feitos em salas como o Teatro Martins Penna, o auditório da Odontologia, da AABB, do Cine Guajará, do Grêmio Literário Português, missão que ele não delegava nem exigia de ninguém para acompanhá-lo, mas, religiosamente, mantinha-se operando os projetores em 16 mm, trocando os rolos e correndo para as cadeiras da primeira fila a fim de assistir ao filme e, ao final, debatendo com o público que sempre estava presente para as incursões sobre a linguagem cinematográfica e/ou a temática expressa.

Esse é o Pedro Veriano que eu conheço há 56 anos, passei a amar nesse tempo fazendo parceria com ele nessas batalhas pelo bom cinema em Belém. Meus arroubos são os dele e suas vitórias de reconhecimento público pelo seu trabalho são as minhas. Te amo Pedro e que Deus te abençôe.

AINDA A LISTA DA “SIGHT & SOUND”

Jean-Luc Godard e Brigitte Bardot em uma cena de "Le Mepris", entre os 5o melhores.

O tema dos melhores filmes de todos os tempos segundo a revista inglesa “Sight & Sound” prossegue neste espaço. As mudanças nas indicações desta lista atenderam aos critérios que pautaram essa escolha.

Dizem os editores da revista que desde 1952 esta seleção é realizada a cada dez anos. E 60 anos após, houve uma reorganização do cânone sem dúvida devido a outro momento de interação com os votantes. Há um ano a equipe de “Sight & Sound” reunida estabeleceu os parâmetros da pesquisa. Dizem: “Dada a predominância da mídia eletrônica que se tornou imediatamente evidente teriamos que abandonar a exclusividade um pouco elitista das escolhas no passado e chegar a um grupo internacional muito mais amplo de comentadores”. Foram incluidos, então, muitos críticos com carreira online ao invés dos que se mantinham somente na mídia impressa. Participaram mais de 1.000 críticos, programadores, acadêmicos, distribuidores, escritores e cinéfilos, recebendo (no prazo) 846 listas com dez menções cada, num total de 2.045 filmes. A carta-convite declarava se tratar de uma escolha pessoal dos dez filmes mais importantes para história do cinema, ou dez que representavam alta estética de realização, ou mesmo os dez filmes que tiveram o maior impacto sobre o ponto de vista pessoal em torno do cinema. Foi contado um voto para cada filme mencionado, sendo que “O Poderoso Chefão” e “O Poderoso Chefão II” não foram aceitos como uma única opção, uma vez que eles haviam sido realizados como dois filmes separados. O restante das 50 indicações foram estes:

21- Desprezo (Le Mépris) de Godard-(1963); 22- O Poderoso Chefão (The Godfather) de Coppola(1972); 23- Ordet- de Carl Dreyer(1955); 24- In the Mood for Love, de Wong Kar-Wai (2000); 25- Rashomon, de Akira Kurosawa(1950); 26 Andrei Roublev, de Trakovsky (1966); 27-Cidade dos Sonhos (Mullholland Dr), de David Lynch (2010; 28- Stalker, de Tarkovsky (1979); 29-Shoah, de Claude Lanzmann (1985); 30-O Poderoso Chefão Parte 2, de Coppola (1974); 31- Taxi Driver, de Scorsese (1976); 32-Ladrões de Bicicletas(Ladri di Biciclette), de Vittorio De Sica(1948); 33-A General (The General) de Buster Keaton, 1936; 34- Metropolis, de Fritz Lang(1927); 35-Psicose (Psycho) de Hitchcock, 1960; 36-Jeanne Dielman 3 quai du Commence 1080 Bruxelles, de Chantal Akerman (1975); 37-Sátántangó de Béla Tarr (1959); 38-Os Incompreendidos (Les 400 Coups), de François Truffaut (1959); 39-A Doce Vida(La Dolce Vita) de Fellini (1960); 40- Viagem à Itália (Viaggio in Italia) de Roberto Rosselini; 41- Pather Panchali, de S. Ray (1955); 42- Quanto Mais Quente Melhor”(Some Like it Hot)de Billy Wilder(1959); 43- Gertrud, de Carl Dreyer (1964); 44- O Demonio das 11 Horas(Pierrot le Fou) de Godard(1965); 45- Play Time, de Jacques Tati (1967); 46- Close-Up, de Abbas Kierostami (1990); 47- A Batalha de Argel (La Bataglia di Argel) de Gillo Pontecorvo1966); 48- Historia do Cinema (HIstoire du Cinéma) de Godard (1988); 49- Luzes da Cidade (Citylight) de Charles Chaplin (1931); 50- Contos da Lua Vaga(Ligetsu Monogatari) de Mizoguchi (1952); e ainda neste posto “La Jetée” de Chris Marker (1962).

Alguns filmes citados não chegaram por aqui (nem em DVD ou mesmo VHS). Mas o cinéfilo vai avaliar um outro mercado de filme que tem uma visão diferente de história do cinema porque consegue ter em mãos novos títulos os quais desconhecemos. Avalio a pobreza de só ser citado um Chaplin e figurar no fim da fila. Na área da comédia “Mon Oncle”(Meu tio) dá vez para “Play Time”, de Jacques Tati, ficando de fora: os Irmãos Marx, Woody Allen, David Lean, René Clair, Buñuel, autores de muitos títulos que poderiam figurar nessa lista. “Tempos Modernos”, por exemplo, foi considerado “o filme do século XX” para os críticos ingleses (da mesma terra dos editores da revista). E agora deixou de figurar.

Minha explicação para essa inovação de filmes dessa lista deve-se à inclusão de votantes de uma geração nova, circulando na web que se tem ao seu alcance um considerável mercado filmográfico (sabe-se da valorização do cinema pela cultura européia), não deve ter assistido ainda aqueles exemplares da história do cinema que construiram uma estrutura da linguagem. Por outro lado, deve-se conceber os novos valores sobre cinema & narrativa que se estabelecem na contemporaneidade. Se entre nós há esse diferencial avalie-se por ai afora onde há cursos de cinema em pós-graduação e pesquisas sobre o chamado “primeiro cinema”? As entonações certamente são novas e não podem se manter como queremos sempre. Valores pessoais, estéticas novas, filmes de fora do olhar dos latinoamericanos sem dúvida estão na vez. O que sentimos é uma exclusão sobre o cinema de outras culturas como os da América Latina.

OS MELHORES DA “SIGHT & SOUND”

 

O BFI ou Britsh Film Institute foi fundado em 1933, reunindo o National Archive e a Biblioteca, desempenhando funções culturais, criativas e industriais como a distribuição de filmes e publicações, exposições e festivais. Esse instituto é financiado por concessão da Lottery (UK National) para o desenvolvimento público do cinema, produção, distribuição, formação de platéia, restauração de filmes e pesquisa. Segundo as informações no site: http://www.bfi.org.uk a equipe trabalha para preservar a história e a cultura cinematográfica e televisiva, disponibilizando esse material para tantas pessoas quanto possível. Dizem-se uma ONG e dependem de apoio financeiro das pessoas que acessam esse website, para manter o acervo. A revista “Sight & Sound” é parte desse instituto. E a cada dez anos, desde 1952, ela realiza uma pesquisa mundial entre críticos e técnicos a fim de avaliar quais filmes são considerados os melhores de todos os tempos.  Foi isso o que ocorreu na edição ampliada de agosto. Reunindo 846 críticos e 358 programadores, acadêmicos e distribuidores fez um balanço sobre quais filmes, neste 2012 estavam entre os melhores.

A lista abriga 50 títulos. Por falta de espaço cito hoje alguns (amanhã prossigo). Mas espantou-me visualizar uma mudança: pela primeira vez o tradicional “Cidadão Kane”(1941) de Orson Welles deixa de ser o primeiro (“em 50 anos de reinado”, dizem eles) sendo escolhido “Um Corpo que Cai”(1958) de Alfred Hitchcock. “Luzes da Cidade” de Charles Chaplin ficou no último  lugar (50°), alías, a única criação do gênio da comédia que está mencionada pelos votantes.

Listas de melhores filmes é sempre uma demonstração de predileções. Dificilmente vota-se em um titulo que não se ama. Penso no slogan de uma distribuidora brasileira de DVD: “Leve para casa o filme que você gosta”. Isso aí, gostar. E só assim se entende a troca do clássico de Orson Welles, com a sua carga de qualidades que enriqueceu a linguagem cinematográfica, pelo suspense de Hitchcock que não é de seus melhores trabalhos. O roteiro de Alec Coppel e Samuel Taylor extraído do livro “Dentre les Morts” da dupla Boileau & Narcejac (a mesma de “As Diabólicas”) esvazia parte do mistério com a pressa em que se adentra por coincidências dramáticas. Gosto muito dos filmes do mestre Hitch, mas os meus preferidos são outros títulos.

A lista do BFI, ao que consta, é uma visão da nova época. Deixou de lado filmes que contribuíram para a leitura de imagens via narrativa. Os clássicos de Griffith, por exemplo, (“Nascimento de uma Nação”, “Intolerância”) foram esquecidos. Também as animações (nenhuma foi lembrada). Nem “Caligari” e os expressionistas básicos. Nem Visconti inaugurando o neorrealismo com “La Terra Trema”(imagino como o nosso Francisco Paulo Mendes ficaria irado ao saber que nada de Visconti ganhou espaço entre 50 produções). E onde está “Roma Cidade Aberta” de Rossellini? E “Boulevard do Crime” de Marcel Carné que os críticos franceses elegeram como o melhor filme do século XX realizado em seu país? E “Napoleão”de Abel Gance?

Todos esses filmes mencionados não são meus prediletos, mas acho impossível falar de história do cinema sem nomear o básico dessa história. Sobre o critério que foi usado para a constituição da lista da revista inglesa, trato amanhã.

Entre nós, a última aferição qualificando esse ritual foi em 2000 quando foram mencionados os filmes mais importantes do século.

Abaixo, relaciono parte dos melhores filmes escolhidos pela revista Sight & Sound (2012):

1. Um Corpo que Cai",(Hitchcock, 1958);
2. "Cidadão Kane", (Welles, 1941);
3. "Era Uma Vez em Tóquio", (Ozu, 1953);
4. "A Regra do Jogo", (Renoir, 1939);
5. "Aurora", (F. W. Murnau, 1927);
6. "2001 - Uma Odisséia no Espaço", (Kubrick, 1968);
7. "Rastros de Ódio", (Ford, 1956);
8. "O Homem da Câmera", (Dziga Vertov, 1929);
9. "A Paixão de Joana d'Arc", (Dreyer, 1927);
10. "8 ½" (Fellini, 1963).
11. “O Encouraçado Potenkim”(Eisenstein/1926)
12. “L’Atalante”(Jean Vigo,1934)
13. “Acossado”(Godard,1960)
14. “Apocalypse Now”(Coppola, 1979)
15. “Pai e Filha”(Ozu,1949)
16. “A Grande Testemunha (Bresson,1966)
17. “Os 7 Samurais”(Kurosawa,1954)
18. “Quando 2 Mulheres Pecam/Persona (Bergman,1966)
19. “O Espelho” (Tarkovsky, 1974) e
20. “Cantando na Chuva”(Stanley Donen/1951).
    

O MELHOR EM DVD

Doris Day e Frank Sinatra em "Corações Enamorados"

Com poucos filmes realmente bons nas telas dos cinemas comerciais resta ao cinéfilo o DVD e os títulos da programação extra. No DVD, ou cinema doméstico, está o tesouro enterrado na memória de tantos que elegeram o cinema como seu “hobby” ou a sua arte preferida. Esta semana, revi alguns títulos que me agradaram quando de uma primeira visão. O mais especifico não é nenhuma obra-prima, mas é desses filmes simples sobre gente simples que de alguma forma cativam o espectador. O caso de “Corações Enamorados” (Young at Heart/EUA, 1954) da dupla Henry Blank (produtor) e Gordon Douglas (diretor), a mesma que fez no ano seguinte “O Semeador de Felicidade”(Sincerily Yours/EUA,1955), único com o pianista Liberace (sucesso de público em Belém).

Corações...”é o filme que reuniu duas vozes aclamadas: Frank Sinatra e Doris Day. No filme, Sinatra é um compositor amargurado e Doris a caçula de 3 irmãs filhas de um diretor de conservatório musical. O romance é tempestuoso (e surpreendente) mas, pelo menos duas canções marcaram: a que abre e fecha o filme (e lhe dá o titulo original) e a que Doris canta num piquenique na praia (creio que se chama “Hold me in your arms”).Minhas filhas ainda elegem o filme entre os seus preferidos. É “a cara” de um tempo (anos 50/60). Douglas era um diretor eclético tendo trabalhado diversos gêneros, até ficção cientifica(“O Mundo em Perigo”/Them, 1952). Vale a pena rever ou conhecer.

“O Homem que Queria ser Rei”(The Man Who Would be a King/UK 1975) é uma aventura bem humorada que só subiu de conceito por ter John Huston na direção. Ele se dizia um aventureiro, e descreveu suas peripécias num livro de memórias. Aqui ele segue Rudyard Kipling, o autor de “Mogli” e de “Se...”(If), detalhando a historia de 2“vigaristas’ ingleses que vivem do trafico de armas e acabam conquistando a confiança de tribos do Kafristão seguindo para o Himalaia e um deles confundido com o filho de Alexandre Magno. Sean Connery e Michael Caine defendem muito bem os papéis e o final é de uma ironia sedutora. Uma superprodução meritória candidata a 4 Oscar. O que pretendeu Kipling foi fazer uma crítica ao imperialismo britânico.

“Cova Rasa”(Shallow Grave/UK,1994) é o primeiro filme que Danny Boyle(“Quem quer ser um Milionario?”, “172 Horas”)dirigiu. Produção modesta que nos extras do disco se sabe em detalhes como conseguiu ser realizada, trata de 3 amigos que abrigam um estranho em seu apartamento, este morre e deixa maleta cheia de dinheiro. Obviamente se trata de roubo e não demora quem procure o “ladrão de ladrões”. Mas os donos do apartamento, dois rapazes e uma jovem, pensam em ocultar tudo, enterrando o morto com o cuidado de não deixar impressões digitais. Há muito de humor negro no roteiro de John Hodges e desempenhos corretos de Ewan McGregor, Kerry Fox e Christopher Eccleson. O ritmo ágil propicia um suspense digno de Hitchcock.

“Conflito das Águas”(Tambien la Lluvia/Espanha,2010) mostra uma equipe de filmagem tentando rodar um longa-metragem sobre a descoberta da America em Cochabamba, na Bolívia. Mas nesse momento a água que serve à população, a maioria descendente de índios, é reclamada pelo governo. Há uma revolta e um dos protagonistas é preso. O diretor de produção tenta salvá-lo em meio ao caos que se instala na região. Nesse momento, não há como deixar de lado a visão de como o grupo de cinema procura intervir nas discrepâncias de tratamento dão pelos líderes do governo ao grupo minoritário. De uma visão sobre a arte, a arte de viver é o mote dos que têm consciência política e não conseguem deixar de se comprometer com a situação. Procede a escolha do personagem do diretor do filme em ajudar os seus “atores” em uma outra hora. Muito bom.

Filme detentor de 16 prêmios, inclusive no Festival de Berlim do ano passado. Dos atores conhecidos destacam-se Gael Garcia Bernal e Luis Tosar. Inédito nos cinemas de Belém.

MARILYN MONROE

Nascida Norma Jean Masterson, Marilyn Monroe faleceu em dia 5 de agosto de 1962. Poucas atrizes de cinema foram tão conhecidas ou mesmo cultuadas. Lembro-me do amigo Edwaldo Martins que a prezava especialmente chamando-a de “Mariazinha”. A imagem de Marilyn, ou simplesmente MM, começou moldada pelo estúdio da 20th Century Fox, empresa que a contratou quando o roteirista, diretor e produtor Joseph L. Mankiwicz a levou para participar do elenco de “A Malvada”(All About Eve, 1950). Nesse ano, MM já aparecera em 11 filmes de companhias como a Columbia e Metro. Mas sempre na sombra das grandes estrelas.

Foi na Fox que a atriz incorporou o estereotipo da“femme fatale”, embora não imediatamente. Antes atuou em filmes como “Almas Desesperadas”(1952) e “O Inventor da Mocidade”(1952) ainda em papéis secundários. Foi também emprestada à companhia RKO, momento em que participou de “Só a Mulher Peca” (Clash by Night/1952), dirigido por Fritz Lang. O tipo sedutor viria em 1953 sob a direção de Henry Hathaway em “Torrentes de Paixão”(Niagara, 1953). O filme e a atriz fizeram sucesso. A crítica viu a analogia da mulher sedutora que ameaçava a harmonia de um jovem casal em lua de mel próximo à catarata de Niágara (Jean Peters e Max Showater), com a própria queda d’água. Este é , alías, o único filme dos muitos que MM atuou em que o amante morre (interpretado por Joseph Cotten). E ela estaria na pele de uma autêntica vilã.
Os cinéfilos mais exigentes não viam MM como uma atriz de talento. Seria mais uma figura moldada por Hollywood tentando quebrar o rígido sistema de censura chamado Código Hays. Mas ela compreendeu isso e lutou contra. Considerou seu bom desempenho na comédia e fez parte, em seguida, do elenco de “Os Homens Preferem as Louras”(1953), ”Como Agarrar um Milionário”(1953),“O Mundo da Fantasia” (1954) e “Adorável Pecadora”(1960), deixando espaço para os dramas leves como “O Rio das Almas Perdidas”(1954) e “Nunca Fui Santa”(1956). Mas foi fora da Fox que agradou em cheio os críticos na obra de Billy Wilder:“Quanto Mais Quente Melhor”, feita para a United Artists em 1959. Wilder já era seu conhecido em “O Pecado Mora ao Lado”(1955), lançando a imagem da saia levantada pelo vento que vinha do subway em Nova York. Mas foi ao lado de Tony Curtis e Jack Lemmon que Marilyn mostrou como aproveitar o arquétipo de “sex simbol” numa trama cômica.
Tentando sempre mostrar que tinha talento, ou que podia mostrar que não era apenas “um corpo”, filmou com esforço próprio “The Prince and the Show Girl”(aqui “O Principe Encantado”, 1957), na Inglaterra, com o respeitado ator (e cineasta) shakespeariano Laurence Olivier. Para isso, contou com o marido de então (o seu terceiro com quem foi casada de 1956 a 1961), o escritor Arthur Miller. O fracasso do filme levou-a de volta à comédia e foi aí que estrelou “Quanto Mais Quente...”(1959) e ”Adorável Pecadora”. Seu último trabalho finalizado foi “The Misfist”(Os Desajustados, 1961) de John Huston, filme em que também se despediriam os colegas Clark Gable e Montgomery Clift.

MM ainda começou a filmar “Something’s Got to Give”chegando a ser punida por faltar em horas de filmagem. Na época (1961) falava-se de um romance com os irmãos Kennedy (o presidente John e o ministro Robert). Uma de suas últimas aparições adiante de uma câmera foi cantando para o presidente numa festa de aniversário.

A atriz teria sofrido o resultado de overdose ou intoxicação por mistura de remédios. Realmente poucas mulheres que fizeram cinema são tão lembradas 50 anos depois da morte. Entre nós, a ACCPA vai homenagea-la exibindo “O Pecado Mora ao Lado”, numa sessão “cinemateca”do Cine Olympia e, “Torrentes de Paixão”, reabrindo o Cine clube Pedro Veriano (Casa da Linguagem).

O CAVALEIRO DAS TREVAS

Batman, Bane e a Mulher Gato, personagens do novo filme de Nolan.

O cinema norte-americano ressente-se da falta de vilões. Com o fim da guerra fria, a opção para lutar contra os super-heróis ficou nos extraterrestres e nos diversos terroristas. Por isso, surpreendeu a imagem de Bane, a figura enjeitada que se vinga do mundo em “Batman, O Cavaleiro das Trevas Ressurge” (The Dark Knight Rises/EUA,2012). Ele age como um revolucionário de esquerda quando, ao sentir que está ganhando a luta, espera transformar Gothan City numa cidade“socialista” onde a população é como que amparada pelo Estado e as grandes marcas do capitalismo são, simplesmente, destruídas como a Bolsa de Valores e as grandes corporações.

Bane (Tom Hardy) era um garoto filho de prisioneiros do sistema de Pietra Dura, nascido num poço onde viviam seus pais desde que banidos da sociedade. Sua figura surge em primeira aparição na revista “Batman: The Vengeance of Bane”, em janeiro de 1993, tornando-se conhecido, entretanto, por ter sido o único inimigo de Batman a causar-lhe sérios dados físicos quebrando-lhe a espinha, deixando-o paraplégico, relato feito na história “Batman Knightfall” (edição nº 497 da revista “Batman”, julho de 1993). Sua presença nesse novo filme tem o tom de vingança após sair da Prisão Blackgate, para onde fora enviado ao ser derrotado e preso por Azrael ou Jean Paul Valley- que assumiu o posto do homem-morcego (escolhido por este) após a desdita que se abateu sobre o herói.

Bruce Wayne (Christian Bale) é visto no início do filme abatido, machucado (sem poder mover direito uma perna) e preocupado com a crise econômica que atinge sua firma. Ao seu lado está o sempre assistente Alfred (Michael Caine) e, no laboratório de uma de suas indústrias, o também veterano Fox (Morgan Freeman). Com o cenário ruim, inclusive porque o comissário Gordon (Gary Oldman) está hospitalizado, a presença de Batman se torna importante. Mesmo porque Bane está atuando e não se pode contar com a fidelidade da Mulher Gato (Anne Hathaway). Para piorar a situação, uma funcionária da firma de Wayne não é pessoa de confiança, Miranda (Marion Cottilard).

O espectador já se acha ansioso, quando Batman reaparece. Com nova máscara (segundo a produção a que se ajusta melhor facilitando o ator mexer o pescoço), ele não demora em encontrar seu adversário Bane e com este sair para a briga. Mas, para decepção dos que sempre torcem pelo “mocinho”, o Homem Morcego apanha feio na série de socos. E acaba sem a máscara, muito batido, no fundo do poço da prisão de onde teria saido o adversário. Todo quebrado ouve deste: “Quando Gothan virar cinzas, aí sim você terá a minha permissão para morrer”.

A história em nada surpreende. Nem mesmo no final, quando o herói viaja no seu “batplano”carregando uma bomba atômica que jogará no meio do mar. Nessa hora, a idéia é de que o “cavaleiro das trevas” foi mesmo eliminado. Engano? Não vou cometer m spoiler e deixar que a aventura se torne menos estimulante para quem vai assistí-la.

No roteiro de Nolan, seu jovem irmão Jonathan e por David S.Goyer (autor do argumento junto com o diretor do filme), o mundo que Bane idealiza é pontilhado de uma tentativa de reversão da era capitalista por uma sociedade popular (explodem-se as grades da prisão e a multidão se liberta), procurando romper as ordens da padronização a que fora levada pelo Comissário Gordon (Gary Oldman) que após a morte de Harvey Dent (desfecho de O Cavaleiro das Trevas), instituiu uma lei zerando a criminalidade local, daí, supostamente, Gotham vive dias de paz. Há uma seqüencia emblemática: uma criança canta o hino norte-americano na abertura de uma partida de rugby (ou futebol americano). Nessa hora, o vilão ataca a explode o campo. O pânico se instala e ele aparece numa atitude demagógica dizendo-se o defensor do povo.

O filme é uma superprodução cheia de CGI(efeitos especiais) seguindo as que são rentáveis hoje em dia nesse campo. Mas deixa muitos temas para o debate, como a questão da cidade. Gothan City capitalista é para ser arrazada pela corrupção que campeia. Mas é a cidade que Batman ama e defende. Daí...

O final sugere outra aventura embora Chris Nolan diga que é a última de Batman. Mas tudo é calculado: forma bem estruturada, fecho ambíguo (aparentemente) e até um suposto Robin se apresentando. Presentemente, Christian Bale informa que não fará um Batman com Robin. Quem assistir a este Batman com certeza terá outra perspectiva.

BATMAN NA HQ E NO CINEMA

O personagem Batman surgiu no cinema em 1943 num seriado (15 episódios) dirigido por Lamert Hillyer, com Lewis Wilson. Nos quadrinhos já era famoso. O desenhista Bob Kane (1915-1998) criou-o em 1939, como histórias de um homem fantasiado de Morcego para defender a lei, histórias vendidas para a National Comics (depois DC Comics) a pedido do editor Vic Sullivan que estava mais interessado em um novo Superman. Nesse período, esse personagem esteve em jornais, revistas, filmes com atores e desenhos animados. Depois de dois seriados distribuídos pela Columbia (já foram editados em DVD no Brasil) Batman ganhou uma série de TV que popularizou o ator Adam West hoje com 83 anos, participando da telessérie “Uma Família da Pesada”.

A popularidade de Batman na televisão deu margem a um longa metragem em 1966, dirigido por Leslie H. Martinson. E esteve em mais temporadas televisivas até que em 1989 ganhou a primeira superprodução, dirigida por Tim Burton. O próprio desenhista Bob Kane sugeriu o ator Jack Nicholson para o papel do Coringa, com base no tipo criado por Conrad Veidt, na versão de o “O Homem que Ri”, de Victor Hugo. O sucesso facilitou a produção de mais 3 filmes: “Batman Returns”(1992),”Batman Forever”(1997) e “Batman e Robin”(1997). Daí passou-se para a trilogia do diretor Chistopher Nolan: “Batman Begins”(2005), “Batman, O Cavaleiro das Trevas”(2008) e agora “Batman, O Cavaleiro das Trevas Ressurge”(2012).

Do primeiro Homem Morcego ao Cavaleiro das Trevas atual, o design da indumentária mudou muito. Antes a roupa era de malha colada ao corpo com uma capa muito leve e curta, além da meia-máscara colante. Hoje é quase uma armadura. Neste novo exemplar, a publicidade aludiu ao fato de ter sido criada uma forma de Batman poder mover a cabeça mais facilmente (a mascara imediatamente anterior era dura, forçando o tipo a olhar para frente).

Mas, a principal característica do novo Bruce Wayne e seu cenário de ação inscrevem-se no lado “dark”, ou seja, a penumbra que o cineasta Chris Nolan passou a utilizar, na lembrança expressionista, como forma de justificar a imagem de morcego adotada pelo personagem, um ser da noite, uma espécie de fantasma benfazejo, ganhando uma feição plástica mais evidente quando se põe no alto de uma torre e dali pode ver a terra que defende. Da mesma forma que a sua silhueta, antes uma sombra, hoje um anuncio luminoso como um convite a pedir a sua intervenção.

Todas as mudanças formais deram aos novos filmes maior densidade, mais apuro artístico?

“Batman O Cavaleiro das Trevas” chegou a ser cogitado para Oscar (8 categorias, ganhando duas: de ator coadjuvante, Heath Ledger, e de som (Richard King). Ganhou, ainda, prêmios no Japão, na Inglaterra e na Espanha, além de ter sido candidato a 67 prêmios (e foram 94 vitórias, a maioria nos Estados Unidos). O termo “dark” foi muito usado e o que Bob Kane tinha produzido ingenuamente passou a figurar como um espectro de intenções ambíguas na forma como trabalhou entre seres humanos (ele seria um semideus a lembrar figuras de mitologias nacionais).

Este novo filme abre um jogo. A meu ver ele é um reencontro do personagem dos quadrinhos com a sua origem (com a palavra Gian Danton http://ivancarlo.blogspot.com.br/) . Não quero dizer que tenha se vestido da pureza com que nasceu guiado pela idéia do desenhista criador em moldar um novo Super-Homem, mas sem superpoderes (parte desta pesquisa foi realizada em vários sites específicos, incluindo o maior deles, imdb.us).